• TJ Kearney, Executive Producer und Mitbegründer von Oddfellows, erzählt, wie viel es kostet, ein Studio auf höchstem Niveau für Motion Design zu betreiben.
  • TJ KEARNEY SHOW NOTES
  • TJ KEARNEY INTERVIEW TRANSKRIPT

TJ Kearney, Executive Producer und Mitbegründer von Oddfellows, erzählt, wie viel es kostet, ein Studio auf höchstem Niveau für Motion Design zu betreiben.

Motion Design ist ein extrem kreativer Bereich, und die meisten von uns machen das aus diesem Grund... wir mögen es, etwas zu kreieren. Wir mögen es, zu designen, zu animieren und Probleme visuell zu lösen. Aber es ist auch ein Geschäft. Um weiterhin Motion Design zu machen, besonders auf Studio-Ebene, muss man ein profitables Geschäft betreiben. Das ist etwas, wofür die meisten von uns nicht ausgebildet sind. Wenn Sie ein Freiberufler sind, der es gewohnt istDas ist eine schwierige Frage, und um zu verstehen, wie der Übergang zwischen Künstler und Studio aussieht, hat sich TJ Kearney bereit erklärt, im Podcast etwas Licht ins Dunkel zu bringen. TJ ist derzeit Executive Producer bei Instrument, einer sehr coolen digitalen Agentur in Portland, Oregon. Davor war er EP undMitbegründer in einem Studio namens Oddfellows, ja, THAT Oddfellows Davor arbeitete er in Werbeagenturen, großen Postunternehmen und allem, was dazwischen liegt.

Seine Erfahrung in dieser Branche hat ihm eine unglaubliche Perspektive auf die Ökonomie des Motion Design gegeben. Er war auf der Kundenseite, wo er Studios anheuerte, und er war auch auf der Anbieterseite, wo er versuchte, Agenturen und Kunden zu umwerben und mit ihnen zusammenzuarbeiten. In diesem Gespräch sagt TJ sehr spezifisch Wenn Sie sich jemals gefragt haben, wie viel Gemeinkosten anfallen und wie viel Sie bei verschiedenen Studiogrößen wahrscheinlich berechnen müssen, sollten Sie sich Notizen machen.

TJ KEARNEY SHOW NOTES

TJ Kearney

KÜNSTLER/STUDIOS

• Oddfellows
• Tom DeLonge
• Adam Patch
• Devin Whetstone
• Spionagepost
• Goodby, Silverstein & Partner
• Chris Kelly
• Colin Trenter
• Conrad Mcleod
• Buck
• Die Mühle
• Psyop
• Riesenameise
• Kanonier
• Jota Grandin
• Goldwolf
• Rankenwerk
• Ryan Honig
• Arnold
• Chris Do

STÜCKE

• Gute Bücher

RESSOURCEN

• Flamme
• Schütteln
• Rahmenvertrag für Dienstleistungen
• Arbeitsbeschreibung
• Manifest der Freiberuflichkeit
• Chris Do Podcast Interview
• Bewegung Hatch Podcast
• Joey's Motionographer Artikel

TJ KEARNEY INTERVIEW TRANSKRIPT

TJ: Wenn Leute zu mir kommen und sagen: "Ich möchte ein Studio gründen", ist meine erste Frage: "Warum?" Die meisten von ihnen antworten: "Ich möchte die Arbeit machen, die ich machen möchte. Ich möchte mit den Leuten arbeiten, mit denen ich arbeiten möchte", und fast keiner von ihnen antwortet: "Nun, ich möchte wirklich ein Unternehmer sein und mich auf das Geschäft und den Verkauf konzentrieren."Wenn Ihr Berufswunsch also lautet: "Ich möchte ein kreativer Leiter eines fantastischen Projekts sein", dann sollten Sie sich auf einen Job in einem dieser Top-Studios konzentrieren, die Sie als Creative Director, Art Director oder Design Director lieben, denn dort können Sie sich ganz auf die Arbeit konzentrieren.Handwerk, aber wenn man ein eigenes Studio haben will, muss man sich auch um das Geschäft kümmern wollen.

Joey: Motion Design ist ein extrem kreativer Bereich, und die meisten von uns machen das aus diesem Grund. Wir mögen es, etwas zu kreieren, zu designen, zu animieren und Probleme visuell zu lösen, aber es ist auch ein Geschäft. Um weiterhin Motion Design zu machen, vor allem auf Studio-Ebene, muss man ein profitables Geschäft betreiben, und das ist etwas, wofür die meisten von uns nicht ausgebildet sind. Ich meine, wie soll man das machen?Wenn man als Freiberufler daran gewöhnt ist, 500 Dollar pro Tag zu verlangen, kann man dann einfach ein bisschen mehr verlangen, wenn man ein, ich zitiere, "Studio" wird? Das sind schwierige Fragen, und um sie zu beantworten, haben wir heute TJ Kearney in unserem Podcast.

Joey: TJ ist derzeit Executive Producer bei Instrument, einer sehr coolen digitalen Agentur in Portland, Oregon. Davor war er EP und Mitbegründer eines Studios namens Oddfellows. Ja, genau, Oddfellows, und davor hat er in Werbeagenturen, großen Postproduktionshäusern und allem, was dazwischen liegt, gearbeitet. Seine Erfahrung in dieser Branche hat ihm eine unglaubliche Perspektive auf die Ökonomie von Motion Design gegeben.Er war sowohl auf der Seite des Kunden, der Studios einstellt, als auch auf der Seite des Anbieters, der versucht, Agenturen und Kunden zu umwerben und mit ihnen zusammenzuarbeiten. In diesem Gespräch geht TJ sehr genau auf die wirtschaftlichen Aspekte ein, die auf Studioebene eine Rolle spielen. Wenn Sie sich jemals gefragt haben, wie viel Gemeinkosten anfallen und wie viel Sie bei verschiedenen Studiogrößen wahrscheinlich berechnen müssen, sollten Sie sich Notizen machen.

Joey: Diese Folge ist lang und dicht, also schnallt euch an und lasst uns ganz schnell von einem unserer unglaublichen School of Motion-Alumni hören.

Patrick Butler: Mein Name ist Patrick Butler. Ich komme aus San Diego, Kalifornien, und habe den Animations-Bootcamp-Kurs der School of Motion absolviert. Dieser Kurs hat mir viel gebracht. Ich habe viel Selbstvertrauen gewonnen, das ich vorher nicht hatte. Ich dachte, ich sei wirklich gut und wüsste, was ich mit Bewegungsgrafik mache, aber es gab so viele kleine Details, die ich völlig übersehen hatte.Ich habe ein paar Monate vor dem Animations-Bootcamp ein Demoreel geschnitten, auf das ich sehr stolz war, und direkt nach dem Kurs habe ich es mir angesehen und gedacht: "Das ist nicht das, was ich kann." So sehr haben sich meine Fähigkeiten verbessert. Ich habe den Unterschied sofort gespürt. Ich würde das Animations-Bootcamp jedem empfehlen, der ein paar Grundlagen lernen und wirklich etwas lernen möchte.Mein Name ist Patrick Butler und ich bin Absolvent der School of Motion.

Joey: TJ, es ist großartig, dich im Podcast zu haben, Mann. Vielen Dank, dass du das machst.

TJ: Ja, vielen Dank für die Einladung, es ist mir eine große Ehre, hier zu sein.

Joey: Genau, Mann. Ich dachte mir, wir fangen damit an, ein wenig über deinen Hintergrund zu sprechen, denn zum Zeitpunkt dieser Aufnahme bist du der leitende Produzent einer wirklich coolen Agentur in Portland namens Instrument, und ich frage mich, nur für die Zuhörer, die dich vielleicht nicht kennen, ob du vielleicht darüber sprechen kannst, wie du hier gelandet bist. Was war dein Weg in die Branche? Wie hast dueine Art Produzent und dann ein ausführender Produzent werden?

TJ: Ja, auf jeden Fall. Es ist ein langer, windiger Weg, aber wir können ... Ich gebe die Kurzfassung.

Joey: Ganz genau.

TJ: Ursprünglich habe ich in der Musikszene angefangen. Ich wollte unbedingt in einer Band sein, und es stellte sich heraus, dass man Rhythmus haben muss, um in einer Band zu sein.

Joey: Das hilft.

TJ: Ich hatte als Musiker nicht viel Erfolg, aber ich hatte viele Freunde, die in Bands spielten, die zu dieser Zeit auf dem Vormarsch waren. Ich bin in San Diego aufgewachsen, das war Ende der 90er oder Anfang der 2000er Jahre, und ich fand ... Zur gleichen Zeit war meine Mutter eine professionelle Fotografin, so dass ich Zugang zu einer Menge Ausrüstung hatte, und das war noch vor der Digitaltechnik, also hatte ich professionelle Kameras, diezu dem niemand sonst Zugang hatte, also ging ich herum und managte Bands, half ihnen bei der Organisation von Konzerten und so weiter, nutzte aber auch die Gelegenheit, um Marketingmaterial zu erstellen und Fotoshootings zu machen und all diese Dinge zu veröffentlichen. Dadurch lernte ich diesen Typen kennen, Justin [Puda 00:05:01], der der persönliche Fotograf von Blink 182 war. Sie waren so etwas wie ... das Internet wurde immer beliebter undSie mussten Videoinhalte online stellen, und das war einfach nicht seine Leidenschaft.

TJ: Ich hatte eine Videokamera und er fragte mich: "Willst du das machen?" und ich sagte: "Klar." Das führte zu vielen Gelegenheiten für Tom DeLonge von Blink 182 und zu einer Muttergesellschaft, die eine Reihe von Bekleidungsmarken und so etwas hatte. Ich kam also dazu und machte eine Menge Marketing für sie und baute meine erste Produktionsfirma auf. Das war, als ich noch auf dem College war und mit AdamPax, der ein Regisseur und ein weiterer Animator in der Branche ist, und Devin Whetstone, der sich zu einem meiner Lieblings-DP entwickelt hat, aber wir hatten eine kleine Produktionsfirma, die uns durch das College getragen hat.

TJ: Dadurch gingen wir zu einem Postproduktionshaus in San Francisco namens Spy Post, um unsere Sachen farbkorrigieren und fertigstellen zu lassen, und sie machten eine Menge kommerzieller Arbeit und auch visuelle Effekte für Spielfilme. Ich kam irgendwie zum Ende meiner Zeit am College, und sie boten mir einen Job als Produzent dort an, also habe ich das gemacht. Ich hatte immer noch eine Produktionsfirma nebenbei laufen und fing an, eineDas brachte mich eigentlich dahin, wo ich eigentlich hinwollte, nämlich in den Spielfilmbereich. Also habe ich mich eine Zeit lang wirklich auf visuelle Effekte für Spielfilme konzentriert und am ersten Iron Man und ein bisschen an Avatar und einem Haufen anderer wirklich schlechter Filme gearbeitet, die ich nicht erwähnen möchte.

TJ: Ich habe diese Welt erkundet, und es war cool, weil ich beide Seiten kennengelernt habe. Es war ein Postproduktionshaus, das sich mit visuellen Effekten für Spielfilme beschäftigt hat, aber auch mit der kommerziellen Welt, denn wir hatten einen Haufen Flammenkünstler, also haben wir einen Haufen Finishing gemacht, und wir hatten das einzige Telecine in der Stadt, also haben wir eine Menge Farbkorrekturen gemacht. Ich habe einfach alle Seiten kennengelerntIch erkannte, dass das Geld in der Werbung liegt, also habe ich das ein wenig verfolgt und wurde ausführender Produzent bei Goodby, Silverstein and Partners in San Francisco, wo ich auch die anderen Gründer von Oddfellows, Chris Kelly, Colin Trenter und Conrad McLeod, kennenlernte.

TJ: Ich bin dorthin gegangen und habe sozusagen angefangen... Ursprünglich bin ich dorthin gegangen, um... Sie hatten im Grunde eine interne Produktionsfirma, und dann wollten sie den Postbereich ausbauen. Ich habe ein paar wirklich coole Möglichkeiten bekommen. Ich habe dort ein paar Super Bowl-Werbungen gemacht und so, aber das Beste daran war, dass man die gesamte Sprint-Produktion einbeziehen musste, die zu der Zeit... vorDas war der Superfad, und die Agentur versuchte wirklich, die Dinge in den Griff zu bekommen und alles selbst zu machen, im Guten wie im Schlechten. Meine Aufgabe war es also, dieses Team aufzubauen, und so holte ich Chris, Colin und Conrad dazu.

TJ: Das haben wir eine Zeit lang gemacht. Wir waren etwa anderthalb, zwei Jahre lang ein vollwertiges Animationsstudio innerhalb der Agentur. Wir waren sozusagen unabhängig von all den anderen Produktionen dort, aber die Welt der Agenturen ist ziemlich hart. Ich bin oft für längere Zeit nicht nach Hause gegangen, viele meiner freien Mitarbeiter sind in Tränen ausgebrochen, weil sie so viele Stunden gearbeitet haben. Es ist eineDie Welt ist hart, vor allem die alte Welt der Werbeagenturen, und so musste ich das Schiff verlassen, als Chris, Colin und Conrad ebenfalls das Schiff verließen, und wir alle fragten uns: "Was machen wir als Nächstes? Wir wollten nicht wirklich gehen. Es gab zu der Zeit keinen anderen Arbeitgeber in San Francisco, für den wir wirklich arbeiten wollten.

TJ: Niemand hat wirklich die Arbeit gemacht, die wir machen wollten, aber wir wollten auch nicht nach New York oder L.A. ziehen, also wurde Oddfellows zu diesem Zeitpunkt aus der Not heraus geboren. Wir sahen die Möglichkeiten nicht, also dachten wir: "Nun, ich denke, wir werden einfach freiberuflich zusammenarbeiten und sehen, ob wir das schaffen können".sechs Jahren, und dann hatte ich die Möglichkeit, im November letzten Jahres hier bei Instrument einzusteigen, und hier bin ich nun.

Joey: Wow, okay. Ich habe mir Notizen gemacht, während du geredet hast. Es gab so viele Dinge, auf die ich in diesem Gespräch eingehen möchte, aber ich möchte mit Tom DeLonge beginnen. Hast du noch Kontakt zu ihm?

TJ: Das tue ich nicht.

Joey: Weil er jetzt ein paar ziemlich interessante Sachen macht. Jeder, der zuhört, kann ihn googeln und sehen, was er macht. Es ist nicht das, was man von dem Gitarristen von Blink 182 erwarten würde.

TJ: Nein.

Joey: [Crosstalk 00:09:35]

TJ: Er hat sich damals definitiv noch damit beschäftigt, er ist ein großer UFO [Verschwörungsfan 00:09:42] und ...

Joey: Ja.

TJ: Eigentlich habe ich ein Treatment für ... Das ist schon lange her. Ich habe ein Treatment für ihn geschrieben, in dem ... Eine Art Scherz-Werbung, in der er von Außerirdischen entführt wurde und er fand das überhaupt nicht lustig.

Joey: Konnte er die Ironie darin nicht erkennen? Das ist lustig.

TJ: Er hat es nicht zu schätzen gewusst, aber nein, ich spreche nicht mehr mit ihm, aber es war toll, mit ihm zu arbeiten. Er war ein super netter Kerl und hat mir Möglichkeiten eröffnet.

Joey: Und auch ein guter Songwriter. Ich würde gerne ein bisschen mehr darüber erfahren, wann du an den visuellen Effekten gearbeitet hast. Warst du immer auf der Seite der Produktionsplanung oder hast du dir jemals die Hände schmutzig gemacht und etwas [roto 00:10:26] gemacht, etwas komponiert? Warst du jemals auf dieser Seite?

TJ: Ja, auf jeden Fall. Nein, eigentlich bin ich zur Schule gegangen, um Cutterin zu werden. Als ich Adam Patch und Devin Whetstone kennenlernte, brachten sie mir After Effects bei. Meine Schule lehrte damals nicht wirklich Animation auf diesem Niveau, zumindest nicht für kommerzielle Animation. Sie lehrten traditionelle Animation, aber niemand tauchte damals wirklich in After Effects ein, also nein, ich war dabei. Ich bearbeitete Sachen. Ich animierteAls ich zu den visuellen Effekten in After Effects wechselte, brachten sie mir Flame und Shake und einige der anderen Tools bei, und ja, es war wirklich praxisorientiert. Es war so ähnlich wie bei den Bands: "Hey, ich will das wirklich machen. Ich bin nicht so toll darin, aber ich bin wirklich gut darin, gute Leute zusammenzubringen", und so wurde es irgendwie durch Ausprobieren undIch habe einfach gemerkt, dass meine wahre Stärke darin liegt, die richtigen Leute zusammenzubringen und diese Spitzenteams aufzubauen und herauszufinden, wer diese Leute sind, und diese Dynamik herauszufinden und diese Leute zu unterstützen.

TJ: Ich habe mehr zu den Projekten beigetragen, indem ich mich um das Projektmanagement gekümmert habe, als ich es auf der Box getan habe, also habe ich definitiv ... Ich denke, das ist etwas Einzigartiges für mich, das ich gerne mehr und alle Produzenten sehen würde, einfach ein bisschen mehr praktisches Lernen der Tools, die man von den Leuten verlangt. Ich denke, das hat mir in meiner Karriere sehr geholfen, wo ich als Redakteurin mit Kunden inIch war ein Animator mit Kunden im Raum. Ich habe in [inaudible 00:12:03] mit Kunden fertiggestellt. Wenn ich einen Animator oder einen Künstler bitte, etwas zu tun, habe ich ein ziemlich gutes Gefühl dafür, was ich von ihnen verlange.

Joey: Das ist eine erstaunliche Superkraft, die man als Produzent haben muss, denn man hat dieses Einfühlungsvermögen für das, was man eigentlich will. Ich habe mit beiden Arten von Produzenten gearbeitet, mit Produzenten, die sich wirklich mit der technischen Seite auskennen und verstehen, was sie wollen, und dann gibt es immer diese Produzenten und die meisten, mit denen ich gearbeitet habe, die nicht wirklich wussten, wie schwierig die Dinge sind.waren, wie lange die Dinge tatsächlich gedauert haben, waren Werbeagentur-Produzenten, weil ich das Gefühl habe, dass das System, das Produzenten hervorbringt, wenn man nur in der Welt der Werbeagentur ist, nicht ... ich weiß nicht, ich schätze, man ist einfach nicht der Art von Informationen ausgesetzt, die man braucht.

TJ: 100 %. Ja, und ich glaube, die Werbeagenturen sind auch einzigartig, denn wenn man als Produzent in einer Werbeagentur aufgewachsen ist, wo die Agenturen sozusagen bekommen, was sie wollen, weil sie es sich leisten können, den Leuten Überstunden zu bezahlen oder was auch immer, dann wird einem nicht wirklich beigebracht, sich gegen den Kunden zu wehren. Ich weiß nicht, ob Wertschätzung wirklich in ihren Lernprozess eingebaut ist. Ich glaube also, dass sie alle eineDie besten Absichten, und ich glaube, es gibt einige großartige Agenturproduzenten, die schon immer auf der Agenturseite tätig waren, aber gleichzeitig haben sie einfach nicht den vollen Durchblick.

Joey: Ja, natürlich. Man kann keine Branche pauschalisieren. Ich meine, es gibt tolle Leute, mit denen ich in Werbeagenturen zusammengearbeitet habe, und es gibt auch Leute, die mich in den siebten Kreis der Hölle gebracht haben, was Sie sicher auch schon erlebt haben. Ihr Titel ist also Executive Producer, und bei einem Studio, den meisten Studios, für die ich gearbeitet habe, und meinem eigenen Studio, das ich eine Zeit lang geleitet habe, ist dieGrößere Studios haben vielleicht eine Person für die Geschäftsentwicklung, aber was macht ein ausführender Produzent bei einer Agentur? Was ist der Unterschied zwischen einem ausführenden Produzenten und einem einfachen Produzenten?

TJ: Speziell auf der Agenturseite?

Joey: Ja, auf der Agenturseite.

TJ: Sicher. Also, es ist viel von dem, was du gerade gesagt hast. Ein großer Teil meines Alltags ist der Verkauf. Ich konzentriere mich auf ... Also, ich arbeite in einem Team ... Ich bin ein ausführender Produzent innerhalb von Instrument. Ich bin nicht der ... Wir haben ziemlich viele von ihnen.

Joey: Jep.

TJ: Sie konzentrieren sich auf unterschiedliche Fähigkeiten, und so arbeite ich vor allem an der Erstellung von Inhalten und an der Schaffung von Möglichkeiten zur Erstellung von Inhalten sowohl innerhalb der Agentur für bestehende Kunden als auch auf der Suche nach unseren eigenen Kunden und unseren eigenen Möglichkeiten und Möglichkeiten, unser eigenes Team zu neuen Leistungen anzutreiben. Ich mache also viel davon, aber der Unterschied zwischen den beiden ist, dass ein ProduzentIch werde jemand sein, der wirklich in der Praxis arbeitet, ein Projekt leitet und sozusagen die tägliche Anlaufstelle für einen Kunden ist. Ich werde die Person sein, die bei dem ersten Verkaufsgespräch dabei ist, die Verträge abschließt und die MSAs und SOWs ausarbeitet.

TJ: Ich bin derjenige, der hinzugezogen wird, wenn die schweren Jungs es brauchen, weil die Dinge aus dem Ruder laufen, aber eigentlich konzentriere ich mich auf die Verhandlungen, den Aufbau von Möglichkeiten und dann auf eine Art Kundenebene, die sicherstellt, dass wir den Kunden nicht nur für die Lieferung eines einzelnen Projekts betrachten, sondern auch die Entwicklung der Beziehung und die Prognosen für die Zukunft.und eine langfristige Beziehung zwischen uns und ihnen aufzubauen und dafür zu sorgen, dass wir die richtigen Mitarbeiter dafür haben.

Joey: Cool. Könnten Sie kurz die Begriffe MSA und SOW definieren, falls jemand nicht weiß, was das ist ...

TJ: Ja, entschuldige. MSA ist ein Master Service Agreement, eine Art Rahmenvertrag, den du unterschreibst. Sowohl Studios als auch... Studios und Agenturen auf mittlerer bis hoher Ebene unterzeichnen diese... Sie sind so etwas wie langfristige Vertragsbestimmungen, so dass du, egal was passiert, eine Art Basis für deine Beziehung geschaffen hast. Dann kommt ein SOW auf Projektbasis nach einem MSA und das ist eineDarin werden der Zeitplan, die zu erbringenden Leistungen, der vereinbarte Prozess und all die anderen wichtigen Dinge klar definiert.

Joey: Toll. Okay, cool, also ja, die MSA ist eine Art "so werden unsere beiden Unternehmen in Zukunft zusammenarbeiten". Die SOW ist für dieses spezielle Projekt. Hier sind die Parameter. Das ist das Budget. All diese Dinge. Okay, cool.

TJ: [Crosstalk 00:16:32]

Joey: Nun, das ist eine gute Überleitung zu dem, worüber ich mit Ihnen sprechen möchte, nämlich über die Wirtschaftlichkeit von Motion Design im Moment. Ich habe Erfahrung als Freiberufler und in kleinen Studios, und ich bin wirklich neugierig, wie es jetzt aussieht, da ich seit etwa vier Jahren nicht mehr in der Welt der Kunden tätig bin, und auch, wie es jetzt aussiehtWarum fangen wir also nicht einfach mit dem kleinen Studio an?

Joey: Ich vermute, dass Sie, als Sie Oddfellows mitbegründet haben, mit dieser Größe angefangen haben. Es gab drei oder vier Mitbegründer, und ich vermute, das war es, und warum fangen wir das Gespräch nicht einfach dort an? Wie sieht es aus, wenn Sie ein kleines Studio mit drei oder vier Mitarbeitern haben? Wie sieht es mit der Wirtschaftlichkeit aus? Wie viel Geld muss das Studio verdienen, um schwarze Zahlen zu schreiben? Welche ArtNach welchen Budgets suchen Sie? Wie viel verdient jeder?

TJ: Absolut. Ja, ich denke, ich habe versucht, herauszufinden, wie man den Ansatz eines kleinen Studios umsetzen kann, denn es gibt die Art, wie es jeder macht, und dann gibt es die Art, wie es jeder machen sollte, und als wir anfingen, waren wir vier, wie du gesagt hast, und im Grunde verbrachten wir ein Jahr als eine Art Kollektiv. Wir arbeiteten immer noch freiberuflich, um die Rechnungen zu bezahlen. Ich war in einer Festungssituation zu der ZeitIch musste nicht wirklich Geld verdienen, also konnten wir ... Wir wurden sozusagen bezahlt, wenn das Projekt ankam, und boten einfach zwischendurch Projekte an, ohne uns um einen Gehaltsscheck zu kümmern. Für die meisten Leute ist das ein wirklich schwieriger Einstieg, aber ich hatte damals einfach das Glück, das zu tun.

TJ: Wir hatten keinen Overhead, weil jeder von zu Hause aus gearbeitet hat. Wir hatten gerade die Agentur Goodby verlassen und sie haben uns super unterstützt und uns Maschinen und Platz zur Verfügung gestellt, wenn wir ihn brauchten. Wenn wir ein Projekt an Land gezogen haben, haben sie uns für eine Weile von dort aus arbeiten lassen. Die Vorteile dieser Größe sind also, dass man im Grunde genommen wenig bis gar keinen Overhead hat. Die Startgebühren,Aber es ist eine wirklich minimale Investition, um in dieser Größenordnung anzufangen. Das Coole daran ist, dass man in dieser Zeit wirklich flexibel ist, man hat ... Man hat viel mehr Kontrolle darüber, was man in dieser Größenordnung auf sich nimmt.

TJ: Auf der einen Seite versucht man, alles zu nehmen, weil man versucht, das Projekt hochzufahren und aufzubauen. Auf der anderen Seite, wenn man es klug anstellt, ist es so, dass wir jetzt so leicht sind, dass wir wählerisch sein können, in welche Dinge wir unsere Zeit investieren, aber auch das funktioniert auf einer kollektiven Ebene. Rückblickend denke ich, dass zwei bis fünf Leute keine schlechte Größe sind, wennDu denkst wie ein mittelgroßes Studio und präsentierst dich auf dem gleichen Niveau wie ein mittelgroßes Studio, denn was du tun kannst, ist so etwas wie der [Chris Doe 00:19:46] Ansatz, bei dem ich ein Projekt an Land ziehe und dann ein Team von Freiberuflern habe, das kommt und das Projekt durchführt, und dann mache ich einen Aufschlag oben drauf, aber ich denke, was die meisten Leute bei dieser Größe tun, istSie haben wirklich nur ein minimales Budget zur Verfügung.

TJ: Sie sagen also: "Ich sehe eine Gelegenheit für 5.000 Dollar. Das kann ich selbst machen, und ich werde mich dafür sehr anstrengen. Ich werde die genaue Anzahl der Tage ausschreiben, die ich haben werde", und sie haben keinen Aufschlag eingeplant. Sie haben keine zusätzliche Unterstützung für sich selbst eingeplant. Sie haben kein Polster für den Fall, dass die Dinge aus dem Ruder laufen, und sie positionieren sich immer noch als kleines Boutique-Studio undSie konkurrieren nicht wirklich auf diesem hohen oder mittleren Niveau, und deshalb denke ich, dass dies die verpasste Gelegenheit für die meisten Studios ist, mit denen ich regelmäßig spreche. Das ist die Frage, die ich am häufigsten gestellt bekomme: Wie können wir wachsen? Wie groß müssen wir werden? Und wie hoch sollten wir bieten?

TJ: Ich denke, meine Antwort darauf ist einfach, dass die kleinen Studios, nur weil sie zwei oder drei Leute sind, nicht bedeuten, dass sie sich als solche präsentieren sollten und dass sie nicht so astronomisch niedrig bieten sollten, wie die anderen Studios, denn ich denke, es ist eine wirklich kurze Zeitspanne und ich denke, es ist ein wirklich schwieriger Ort, um hineinzukommen. Du bist im Grunde in einer "Turn and Burn"-Situation, in der duLandprojekt ständig, weil man auf dieser Ebene im Grunde nur ein glorifizierter Freiberufler ist, wenn man das Polster nicht eingebaut hat.

Joey: Richtig. Das ist wirklich interessant. Ich habe diesen Ansatz in der Vergangenheit auch als Freiberufler verfolgt. Das hat mir geholfen, wirklich viel größere Budgets zu bekommen, als die meisten Freiberufler es wahrscheinlich gewohnt sind, einfach weil ich es gewohnt war, ein Studio zu leiten, und daher wusste ich, wie die Budgets aussahen. Wenn eine Agentur zu mir als Freiberufler kam, wusste ich, dass sie, wenn sie nicht zu mir kamen, zu derSie haben sogar angedeutet, dass, wenn man ein kleines Studio mit zwei, drei oder vier Leuten betreibt, das Wort "Kollektiv" oft in den Mund genommen wird, und dass es eine Grauzone gibt, in der man eine Gruppe von Freiberuflern ist. Sie sind auch eine Art Studio, und was denken Sie, ist das Unterscheidungsmerkmal? Was macht etwas zu einem Studio?aus der Sicht eines Kunden, der jetzt bereit ist, einen Aufpreis zu zahlen, weil es sich nicht nur um drei Freiberufler mit einer gemeinsamen Dropbox handelt, sondern um ein Studio. Ich bekomme etwas, das mehr ist als die Summe seiner Teile.

TJ: Ja. Ich denke, es ist die Infrastruktur. Es ist ein Produzent. Es ist ein bisschen mehr Stabilität, also wenn ich der Kunde bin und weiß, dass ich zu einem Kollektiv von, wie du sagst, zwei bis drei Freiberuflern gehe, die sich einen Posteingang teilen, weiß ich, dass ich ein gewisses Risiko eingehe, und ich weiß, dass, wenn ich zu einem größeren Studio gehe, ich weiß, dass sie zusätzliche Ressourcen haben, um einzuspringen, wenn die Dinge aus dem Ruder laufen und ich weißwenn ich mich direkt an einen Freiberufler oder eine kleine Gruppe von Freiberuflern wende, vielleicht nicht.

TJ: Ich denke, das ist für mich das größte Unterscheidungsmerkmal, wenn ich mich dem einen oder dem anderen nähere. Ich denke, die andere Sache, von innen betrachtet, wenn man auf der kollektiven Seite der Dinge ist, ist es der Unterschied zwischen einer Gruppe von Leuten, die freiberufliche Jobs annimmt und gelegentlich Zeit in ihrem Zeitplan hat, wo sie sich nicht überschneiden und sie ein Projekt zusammen übernehmen können, aber sie sind nicht so miteinander verbunden, dassSie werden immer füreinander da sein, und ich denke, das ist wirklich entscheidend, wenn man versucht, die nächste Stufe eines größeren, etablierten Studios zu erreichen.

TJ: Die andere Sache mit einem Studio im Vergleich zu einem Kollektiv ist einfach die Verfügbarkeit. Wenn ich als Kunde zu einem etablierten Studio gehe, weiß ich, dass sie... Wenn ich ein echtes Projekt habe, werden sie sich Zeit dafür nehmen, während es bei einem Kollektiv vielleicht eher wie bei einem Regisseur ist, wo es schwieriger ist, einen Slot zu bekommen, und dann werde ich wahrscheinlich nicht auf sie warten. Ich binIch gehe einfach die Reihe weiter und suche die nächste Gruppe.

Joey: Ja, ich möchte auf etwas hinweisen, das du gerade gesagt hast, und das ich so noch nie gehört habe, und ich denke, es ist wirklich klug und jeder sollte sich das merken. Du hast gerade das Wort "Risiko" gesagt, und aus der Sicht des Kunden, wenn man mit einem kleineren Studio zusammenarbeitet und vielleicht nicht einmal sicher ist, ob es wirklich ein Studio ist oder ob es ein Kollektiv ist, hat man das Gefühl: "Ich gehe ein Risiko ein, indem ich ihnenSelbst wenn sie großartige Arbeiten in ihrem Portfolio haben, was ist, wenn der Umfang plötzlich zunimmt und sie nicht die Bandbreite haben, um das zu bewältigen?" Ich frage mich, ob Sie ein wenig mehr darüber sprechen könnten, denn ich denke, dass die meisten Motion Designer, besonders wenn sie noch nie ein Studio geleitet haben, gar nicht auf die Idee kommen, dass man den Kunden bittet, die Kosten zu übernehmen.eine Chance für Sie als kleines Studio.

TJ: Ja, ich glaube, das ist eines der wichtigsten Dinge, die auf der Ebene der Designer-Animatoren vielleicht verloren gehen: Wir arbeiten in einer interessanten Branche, in der wir mit Künstlern zusammenarbeiten, aber technisch gesehen sind wir auch ein Dienstleister.

Joey: Genau.

TJ: Das ist also eine wirklich heikle Balance zwischen: "Nun, du musst mich meine Kunst machen lassen", aber gleichzeitig sagt diese Person: "Ich gebe dir Geld. Du musst mir das geben, was ich brauche." Ihr Job ... Ich denke, was wir oft übersehen, ist, dass die Person, die dir Geld gibt, auch wenn du denkst, dass es ein bisschen weniger ist, als es sein sollte, oder was auch immer, ihr Job steht auf dem Spiel.Sie gehen das Risiko ein, indem sie sagen: "Ich vertraue diesem Unternehmen die Ausführung für meine Chefs und letztendlich für meinen Kunden an." Ich habe oft erlebt, dass ich bei Entscheidungen, die auf Kundenseite getroffen werden, wirklich frustriert bin, weil ich nicht genau weiß, was zu dieser Entscheidung geführt hat, aber ich denke: "Nun, wenn Sie uns einfach machen lassen.Wir werden die Animation um 20 % verbessern", aber vielleicht steht das im Widerspruch zu dem, was der Kunde letztendlich braucht.

TJ: Was uns nicht bewusst ist, ist, dass wir eine Art... Sagen wir, wir haben ein Projekt für 100.000 Dollar an Land gezogen. Wir als Anbieter, das Animationsstudio, haben 100.000 Dollar auf dem Spiel, und das scheint astronomisch zu sein, nicht wahr? Das ist riesig, aber vielleicht sehen wir nicht ganz, dass, wenn wir diese eine Gelegenheit für diese Agentur oder sogar für den Kunden selbst vermasseln, sie potenziell ein, wennWenn sie intern arbeiten, setzen sie ihren Job aufs Spiel, aber wenn sie eine Agentur sind, setzen sie Millionen von Dollar aufs Spiel, weil sie die Beziehung zu einem laufenden Kunden ruinieren können.

TJ: Ich glaube, das ist das Missverständnis, das viele Leute haben, aber ja, ich glaube, das ist das Wichtigste: Wenn Sie sich für ein Studio entscheiden oder für einen Partner, dann entscheiden Sie sich für eine Mischung aus Ihren persönlichen Beziehungen, Ihrer Vorgeschichte und dem, was Sie für das geringste Risiko halten. Ich glaube, ich habe das immer wieder erlebt, dass ichKleinere Studios sind Buck überlegen, aber der Kunde [inaudible 00:26:52] sagt: "Nun, ja, aber ich weiß, dass Buck es auf höchstem Niveau erledigt, egal was passiert." Das ist etwas, womit viele von uns einfach nicht konkurrieren können. Die Bucks, die Mills, die Psy Ops, die gibt es schon so lange und sie sind so etabliert und sie haben eine solche Tiefe in ihrer Bank, dass der Kunde weiß, egal was imDas ist sozusagen der Unterschied zwischen den verschiedenen Ebenen der Studios, die wir durchlaufen.

Joey: Ja, das ist eine wirklich erstaunliche Perspektive. Danke, dass Sie das angesprochen haben. Lassen Sie uns also über einige Zahlen sprechen. Vielleicht können Sie sogar einige der frühen Tage von Oddfellows als eine Art Richtwert verwenden. Wenn Sie versuchen, ein Studio aufzubauen, und klein anfangen und flink sind und sich Ihre Projekte aussuchen können, welche Art von Budgets erhoffen Sie sich dann, denn, SieWenn Sie als Freiberufler zu einem Studio gehen, bekommen Sie in der Regel einen Tagessatz. Wenn Sie direkt zu einem Kunden gehen oder einen größeren Job machen, gibt es vielleicht einen Projektsatz, aber Sie sind wahrscheinlich an eine viel kleinere Zahl gewöhnt, als ein Studio wirklich braucht, um nicht nur zu überleben, sondern auch zu wachsen, was bedeutet, dass es profitabel sein muss. Was waren also die Budgets, dieSie haben gehört, dass kleine Studios wie dieses nachziehen?

TJ: Ja, genau. Ich spreche mit vielen Studios, die gerade erst anfangen, und erhalte eine Art Perspektive auf das, was sie tun, und ich habe natürlich eine Perspektive auf das, was wir in den Anfangstagen von Oddfellows hatten, aber ich denke, der häufigste Fehler ist, dass man, wenn man gerade erst anfängt, alles nehmen will, nur um an den Kunden heranzukommen, und so liegen die durchschnittlichen Budgets vielleicht zwischen5.000 bis 20.000 Dollar und vielleicht ist Ihr Sweet Spot ein Budget von 15.000 Dollar. Wenn Sie anfangen, fühlt sich das vielleicht wirklich gut an, aber es ist wirklich kurzsichtig und wie ich schon sagte, ist es nicht sehr nachhaltig.

TJ: Damit kann man nicht viel anfangen. Das ist wirklich nur das, was es kostet, etwas zu machen, den Leuten ihre Tagessätze zu zahlen und es fertig zu bekommen. Man baut im Grunde keinen Gewinn ein. Man baut keine Prognosen und eine Art Puffer auf dem Bankkonto auf, so dass man weiterhin ein Studio aufbauen kann. Es verändert auch die Perspektive von der Seite des Kunden, wer man als Studio ist.Wenn ich also ein Kunde oder eine Agentur bin und ich habe ein Studio, das mir sagt, dass dieses Projekt 10.000 Dollar kosten würde, während ein größeres Studio sagen würde, dass es 50 oder 60.000 Dollar kosten würde, dann weiß ich, dass ich dieses Risiko eingehen werde, aber vielleicht ist dieses Projekt nicht so wichtig für mich, also habe ich ... es ist in Ordnung, ein Risiko einzugehen. Ich kann zusätzlichen Gewinn machen und jetzt denke ich an dieses Studio. Für den Rest meines Wissens über diesesStudio, sie sind das 10.000-Dollar-Studio.

TJ: Ich glaube, die meisten neuen Studios denken: "Ich muss nur einen Kunden gewinnen, dann werden sie sehen, wie gut wir sind, und dann werden unsere Preise steigen." Als wir bei Oddfellows merkten, dass wir unsere Preise erhöhen mussten, war es nicht so, dass alle unsere Kunden uns plötzlich mehr Geld zahlten. Wir haben im Grunde alle unsere Kunden gefeuert. Wir haben ihnen im Grunde gesagt: "So ist es.Wir haben die meisten dieser Kunden verloren, aber wir haben neue Kunden auf einem viel höheren Niveau gewonnen, die in uns einen höheren Wert sahen, weil sie sahen, dass wir budgetmäßig mit diesen größeren Studios, mit denen sie vertraut waren, übereinstimmten, und es war fast wie eine automatische Klasse"Oh, du bist so viel? Du musst es wert sein."

TJ: Nun, man muss liefern. Wenn man das tun will, muss man in der Lage sein, es auf diesem Niveau auszuführen, also ... Ich möchte auch einschränken ... Wir sprechen über eine sehr spezifische Art von Animation in einer sehr spezifischen Art von Industrie. Das wird also sehr unterschiedlich sein für ... je nachdem, in welchem Bereich man tätig ist, aber für die Art von Arbeit, die Oddfellows gemacht hat, die [Ginance 00:30:59], dieGunner und so weiter, die Bucks und [inaudible 00:31:02]. Das ist sozusagen der Prozess, den wir durchlaufen haben.

Joey: Ja. Ich hoffe, dass jeder, der mir zuhört, sich das zu Herzen nimmt, denn es ist etwas, das, glaube ich, ziemlich kontraintuitiv ist. Weißt du, es gibt die Idee, dass der erste Eindruck schwer zu brechen ist, und wenn dein erster Eindruck von einem Studio also ist: "Oh, die sind die billigere Alternative zu Buck, richtig?", dann ist das sehr schwer zu brechen. Dann ist der kontraintuitive Teil, je mehr du verlangst,Es gibt einen psychologischen Effekt für den Kunden, der sagt: "Oh, wow, die sind teuer, die müssen wirklich gut sein." Dann muss man dem natürlich gerecht werden, was Oddfellows in höchstem Maße tut, aber man muss diesen Sprung erst einmal wagen. Hast du gesehen, TJ, wie ... Es scheint, als würden die meisten kleinen Studios so anfangen, wie du es beschrieben hast, nämlich so viel zu verlangen, dass man das Gefühl hat, dass manGeld verdienen und, wow, 15.000 Dollar? Das ist ein größeres Budget, als ich je als Freiberufler gesehen habe.

Joey: Das ist großartig, aber um die nächste Stufe zu erreichen, hat man im Grunde genommen eine riesige Mauer errichtet, über die man klettern muss. Ist das einfach so, wie du es gesehen hast, oder gibt es Studios da draußen, die den Weitblick haben zu sagen: "In Ordnung, wir sind zu dritt, aber wir werden 50.000 Dollar verlangen, weil wir wissen, dass wir das brauchen, wenn wir zehn sind."

TJ: Ja, ich denke, es ist eine Mischung aus beidem, weißt du? Ich denke, das ist es, was ich immer wieder sehe, aber ich denke, es gibt ein paar wenige, die es wirklich gut machen. Ich möchte keines von ihnen herausheben, weil ich ihren Platz nicht schmälern möchte, weil sie kleiner sind, aber es gibt ein paar Studios da draußen, die es im Moment richtig krachen lassen, die eigentlich unglaublich klein sind, vielleicht zwei bis drei Leute, aber sie landenSie haben sich die Arbeit gemacht, und ich denke, wenn jemand Ihren Podcast mit Chris Doe noch nicht gehört hat, ist das ein guter Anfang, und Ihr Buch zu lesen. Ich denke, das ist super wichtig, um ... Ich glaube nicht, dass genug Studios erkennen, wie viel Arbeit sie in die geschäftliche Seite stecken müssen, bevor sie mit demIch glaube, dass viele Leute einfach loslegen und sich auf den Weg machen und es dann sehr schwer haben, all die Dinge nachzuholen, die sie auf der geschäftlichen Seite nicht wussten.

TJ: Also, mein erster Ratschlag ist, wenn Sie das machen wollen, lernen Sie das Geschäft in- und auswendig und erstellen Sie einen Fahrplan für die Zukunft, bevor Sie anfangen, denn so ist es viel einfacher als andersherum.

Ich habe in letzter Zeit mit vielen Studiobesitzern gesprochen, und das ist die häufigste Frage, die auftaucht: Sobald sie eine bestimmte Größe erreicht haben, sagen wir acht bis zehn Leute, steigen die Kosten ... Ich meine, die Kosten steigen viel schneller als die Menge an Arbeit, die man bekommt, denn ab einer bestimmten Größe braucht man ein Büro, und dann muss man neue Computer kaufen fürDas wird sehr, sehr teuer, und man braucht wirklich jemanden, der weiß, wie man Arbeit bekommt. Die meisten Studios, mit denen ich gesprochen habe, wurden von Kreativen gegründet, die coole Arbeiten machen wollen, aber nicht, um Kunden kalt anzurufen und kalt zu mailen und sie zum Mittagessen einzuladen und all so etwas.

Joey: Warum gehen wir nicht zu einem mittelgroßen Studio über? Ich habe mir gedacht, dass man mit acht bis zehn Leuten, vielleicht bis zu 15, einen ziemlich soliden Mitarbeiterstamm hat. Vielleicht hat man einen Zell-Animator angestellt, vielleicht einen 3D-Zauberer. Man kann jede Art von Job annehmen, und zu diesem Zeitpunkt hat man wahrscheinlich auch einen oder mehrere Produzenten angestellt und vielleicht sogarVielleicht irre ich mich und Sie können mich korrigieren, aber ich glaube, oddfellows ist während Ihrer Zeit dort auf diese Größe angewachsen. Können Sie also ein wenig darüber sprechen, wie das von innen aussieht? Was sind die Schmerzpunkte, die dort auftauchen?

TJ: Absolut. Wir haben ein wenig über die kleinen Studios gesprochen und darüber, dass man im Grunde genommen nur geringe bis gar keine Gemeinkosten hat. Wenn man es richtig macht, sollte man die Gemeinkosten so gering wie möglich halten, aber wie du schon sagst, sobald man die Größe von 10 bis 15 Mitarbeitern erreicht hat, steigen die Gemeinkosten auf über 100.000 im Monat, und ich glaube, das ist den Leuten nicht ganz klar.

Joey: Wow, ja, lass das mal kurz sacken.

TJ: Ja, denn lassen Sie uns darüber reden, warum das so ist. Sie haben also Mitarbeiter, die Sie jetzt bezahlen, und das sind 10 bis 20 Mitarbeiter, die Sie bezahlen, und selbst wenn Sie sie zu einem ... Ich glaube, das andere Missverständnis ist, dass ich, wenn ich erst einmal Mitarbeiter eingestellt habe, so viel Geld spare, weil ich keine Freiberufler bezahlen muss. Das ist großartig, aber ich glaube nicht, dass die Leute das ganz realisieren, wenn sie anfangen,alle zusätzlichen Kosten, die mit der Einstellung eines Mitarbeiters verbunden sind. Sie haben also dessen Lohn, der vielleicht die Hälfte oder ein Drittel dessen ist, was es kosten würde, jemandem einen Tagessatz zu zahlen, aber dann müssen Sie das wieder ausgleichen, weil Sie Gehaltsabrechnungen, bezahlten Urlaub, Gesundheitsfürsorge, Gemeinkosten, 401(K) bezahlen müssen. Wenn Sie eine [unhörbar 00:36:11], sagen wir mal, vier bis sechs Wochen lang keine Arbeit bekommen, sind Sie immer nochall diese Leute dafür zu bezahlen, dass sie untätig dasitzen und darauf warten, dass etwas reinkommt.

TJ: Dann gibt es Maschinen, die man kaufen muss, und die Miete für den Raum. Bei einer Größe von 10 bis 15 Personen braucht man ein Studio. Man kann die Leute nicht mehr bitten, von zu Hause aus zu arbeiten. Man braucht einen physischen Raum, wo die Leute reinkommen können, und man fängt an, Budgets zu bekommen, wo die Kunden vielleicht bei einem sitzen wollen. Also hat man plötzlich diese Ausgaben, die man berücksichtigen muss.Ja, ich glaube, die Leute verstehen nicht ganz, wie schnell sich ihre Gemeinkosten erhöhen können.

TJ: Nun, es gibt einige erstaunliche neue ... Ich glaube, Gunner ist der Hammer, oder? In Detroit in einem Teilmarkt zu eröffnen und es zu vernichten, macht einfach so viel Spaß, ihnen zuzuschauen, und sie machen das so gut. Ich habe keinen Einblick in ihre Gemeinkosten, aber sie müssen so viel niedriger sein, als irgendjemand sonst in, sagen wir, LA, San Francisco, New York zahlt. Sie haben einen erstaunlichen Raum, in dem jeder Spaß hat undSie können das Geld nicht in coole Möbel investieren, sondern in coole Künstler und in mehr Leute, mit denen sie zusammenarbeiten können, damit ihre Arbeit noch besser wird.

TJ: Also, ich glaube, es gibt einen Trend, bei dem wir von der Notwendigkeit wegkommen, so viel für den physischen Raum auszugeben, aber man hat immer noch ein ziemlich gesundes Sümmchen, das man jeden einzelnen Monat abdecken muss, und das verändert deine ... Wenn du das Studio besitzt, in der Größenordnung von zwei bis fünf, bist du vielleicht immer noch ein Künstler. Vielleicht bist du immer noch ... Ich will nicht andeuten, dass Leute, die größere Studios besitzenStudios sind keine Künstler, aber ihr Tagesgeschäft verlagert sich mit zunehmendem Wachstum mehr in den geschäftlichen als in den künstlerischen Bereich. Ich glaube, das ist der größte ...

TJ: Wenn Leute zu mir kommen und sagen: "Ich möchte ein Studio gründen", ist meine erste Frage: "Warum? Warum wollen Sie das tun?" Die meisten von ihnen antworten: "Nun, ich möchte die Arbeit schaffen, die ich machen möchte. Ich möchte mit den Menschen arbeiten, mit denen ich arbeiten möchte", und fast keiner von ihnen antwortet: "Nun, ich möchte wirklich ein Unternehmer sein und mich auf das Geschäft und den Verkauf konzentrieren."Seien Sie ehrlich, erschrecken Sie sie, damit sie erkennen, dass Ihr Alltag das genaue Gegenteil von dem ist, was Sie suchen.

TJ: Also, wenn du jetzt in deiner Karriere nach etwas suchst wie: "Ich möchte ein kreativer Kopf bei einem erstaunlichen Projekt sein", dann konzentriere dich darauf, einen Job in einem dieser Top-Studios zu bekommen, die du als Creative Director, als Art Director, als Design Director liebst, weil du dich dann nur auf das Handwerk konzentrieren kannst, aber wenn du denkst, dass du ein Studio besitzen willst, dann denke ich, dass du das Geschäftliche machen willst, und ich habe geradeIch glaube, dass das nicht genug Leute erkennen, bis es zu spät ist. Es ist so, dass sie in ein Studio einsteigen. Vielleicht haben sie es ein oder zwei Jahre lang gemacht. Es ist irgendwie ins Rollen gekommen. Jetzt sind sie drin und sie lieben das Geschäft nicht, aber das ist es, was sie jetzt tun müssen, und jetzt haben sie Leute, die von ihnen abhängig sind und so weiter.

TJ: Also, ich will niemanden abschrecken, aber ich denke, es ist wirklich wichtig, einen ganzheitlichen Überblick darüber zu haben, worauf man sich einlässt, bevor man mit dem Prozess beginnt, und weil dieser Nugget jeden Monat so viel höher ist, ist die Notwendigkeit, zu verkaufen, zehnmal höher. Ich meine, man muss ständig mehrere Arbeitsströme an Land ziehen. Jeder Tag, an dem nicht das gesamte Team arbeitet, kostet buchstäblich Geld.Ihr Ziel ist es also nicht nur, Geld zu verdienen, sondern auch die Menschen zu unterstützen, die Ihnen vertraut haben, die eine Stelle in Ihrem Unternehmen angenommen haben, deren Miete, Gesundheitsversorgung, alles von Ihnen abhängt, und das haben Sie als Geschäftsinhaber auf Ihre Schultern gelegt, um sicherzustellen, dass Sie sie ständig beschäftigen können.

TJ: Das ist eine schwierige Situation. Einiges davon liegt außerhalb deiner Kontrolle. Es gibt einige Flauten in der Branche, die jedes Jahr vorkommen. Es gibt unvorhergesehene Faktoren. Es gibt Kunden, die dich plötzlich nicht mehr bezahlen, und es liegt in deiner Verantwortung, dich darum zu kümmern, wenn du eine gewisse Größe erreicht hast. Also, ja.

Joey: Alter, das war wie eine Folge von Scared Straight. Ja, ich wollte ein paar Dinge ansprechen. Also, eine Sache, als wir anfingen, Leute einzustellen, ich glaube, mein Buchhalter oder mein Buchhalter, er sagte, dass es eine Art Faustregel gibt, die besagt, dass, egal wie hoch das Gehalt von jemandem ist, man im Grunde genommen das plus 30 % für alle Steuern und den ganzen Kram zahlt. Also, wenn jemand zuhört, der noch nie jemanden eingestellt hat, wenn manWenn Sie jemanden für 70.000 einstellen, werden Sie am Ende wahrscheinlich 90.000 plus Steuern und andere Dinge bezahlen, die Sie in den USA sowieso schulden.

TJ: Ich glaube, es sind 1,25 bis 1,4, je nachdem, wo man ist.

Joey: Genau, ja, ja. Ihr wart in ... Es gab ein Büro in San Francisco, das definitiv mehr in Richtung 1,4 geht.

TJ: Ja. Ich meine, und wir haben viele hochrangige Leute eingestellt, richtig? Es ist eine schwierige Zeit, um Top-Talente einzustellen, weil es so viele Möglichkeiten gibt. Es ist eine großartige Zeit, um Freiberufler zu sein. Das muss ich sagen. Es gibt jetzt so viel mehr Möglichkeiten als zu der Zeit, als ich angefangen habe. Es gibt so viele gute Studios. Es gibt so viele wirklich hoch bezahlte interne Möglichkeiten, aber für die Studios ist esmit diesen Tarifen zu konkurrieren, ist wirklich schwierig.

Joey: Ja, und wir werden in ein paar Minuten darauf eingehen, denn ich habe viel Gemurre gehört, vor allem an der Westküste, wo all die großen Tech-Firmen ansässig sind, dass das ein großes Problem ist. Okay, also dein Studio, dein kleines Studio ist erfolgreich und du bekommst mehr Arbeit, als du annehmen kannst, also stellst du ein und plötzlich beträgt deine monatliche Nuss 100.000 Dollar im Monat, was eine echte Zahl ist, undSie nehmen das auf sich, um ein Studio dieser Größe aufzubauen. Was für Budgets brauchen Sie auf diesem Niveau und welche Kunden haben diese Budgets?

TJ: Ja, also, sagen wir mal, auf der kleinen Ebene, von der wir sprachen, nimmst du diese Jobs unter 25.000 an. Plötzlich erreichst du diese Ebene von 10 bis 15 und deine Schwelle sollte wirklich bei 60.000 liegen, das ist eines der untersten Enden, das du annehmen wirst. Dein gesunder Bereich wird wahrscheinlich 80 bis 100, vielleicht 120.000 für jedes Projekt sein, das du annehmen kannst. Es gibt kleinere Endkarten und Dinge, die du annehmen kannstaber das sind zumeist die großen Brocken, und dann bekommt man auf dieser Ebene die Gelegenheit, mit noch höheren Beträgen zu konkurrieren, so dass 90 % der Arbeit im Bereich von 60 bis 100.000 Euro liegt, und gelegentlich, vielleicht eine Handvoll Mal im Jahr, bekommt man einen Pitch im Bereich von 250 bis 500.000 Euro, aber das ist wirklich selten geworden.

Joey: Genau.

TJ: Der Grund dafür ist, dass sich die Industrie verlagert hat. Es liegt weniger Geld auf dem Tisch, und so gibt es plötzlich Jobs, auf die Buck oder The Mill oder Psy Op in der Vergangenheit vielleicht nicht geboten oder gegen die sie in der Vergangenheit gepitched hätten. Plötzlich versuchen sie es, und so konkurrieren Sie mit 10 bis 15 Leuten mit Buck, der ... Ich weiß nicht einmal, wie viel Personal er zu diesem Zeitpunkt hat, aber unendlich viel Tiefe und Coiffeure, um zu seinAber wo du sein musst, ist in diesem ... Idealerweise machst du 80 bis 100.000 mit einem Projekt, und ich glaube, Jay von [Jynet 00:43:55] hat mir vor einer Weile einen wirklich guten Richtwert gegeben. Er lautet: Versuche, 1.000 bis 2.500 pro Sekunde mit einem Projekt zu verdienen. Wirklich, es sollte im Bereich von 15 bis 2.000 liegen, das ist sozusagen der Sweet Spot.

Joey: Interessant.

TJ: Ja, wenn Sie einen 60-Sekunden-Spot übernehmen, versuchen Sie ... Wie viel ist das, 90.000?

Joey: Ja.

TJ: Das würde sich gut anfühlen, und ich denke, der andere Unterschied zwischen einem mittelgroßen und einem kleinen Studio - etwas, das ich auf jeden Fall durchgemacht habe - ist, dass man, wenn man klein ist, sagt: "Das ist es, was wir tun. Wir sind Designer und wir sind Animatoren. Wir fassen nichts anderes an." Was man verpasst, ist die Möglichkeit, eine komplette End-to-End-Produktion für diese Leute durchzuführen. Also, ja, wir können auf jeden Fall einstellenWir werden Ihnen einen Autor zur Seite stellen, weil wir dadurch erstens mehr kreative Kontrolle über das Projekt haben, und zweitens, weil wir diesen Autor anstellen werden und dann noch einen Aufschlag auf den Satz des Autors haben werden, so dass wir einen zusätzlichen Gewinn machen werden, weil wir ihn haben.

TJ: Das war etwas, von dem ich am Anfang meiner Karriere nicht wusste, wie man es macht, und ich hatte einfach Angst, weil es mir so fremd war, und dann habe ich es gemacht, und es ist die einfachste Sache der Welt. Du schickst dich buchstäblich online ein, und jemand schickt dir einen Track. Es könnte nicht einfacher sein. Es kostet dich ein paar Cent, und du kannst es aufwerten und damit zusätzlichen Gewinn machen. Dann arbeitest du in der Musik- und SoundbrancheJe besser man eine Produktion von A bis Z im Griff hat, desto mehr kann der Kunde von seinem Budget abgeben.

TJ: Also, wenn sie immer noch für die Produktion verantwortlich sind, du dich nur um das Bildmaterial und die Animation kümmerst, aber sie immer noch für den ganzen Tonbedarf und die Sprecher und all das Zeug verantwortlich sind, werden sie diese Preise plus eine Art Schmiergeldkasse und Polster einbauen, um sicherzustellen, dass sie abgedeckt sind, was bedeutet, dass sie dir viel weniger anbieten werden, weilSie müssen sicherstellen, dass sie abgesichert sind, wenn etwas schief geht, aber wenn sie Ihnen alles im Voraus geben, wenn Sie sagen: "Wir können alles übernehmen", dann werden sie Ihnen mehr als 90 Prozent ihres Budgets überlassen und nur einen wirklich kleinen Betrag für sich behalten, um sich abzusichern.

Joey: Es hört sich so an, als ob das auch das Vertrauen aufbaut, über das wir gesprochen haben. Jetzt fühlt es sich nicht mehr so riskant an, weil wir einfach zu Oddfellows gehen können und wissen, dass wir nicht allzu viel darüber nachdenken müssen. Sie werden es einfach erledigen und es wird großartig sein.

TJ: Auf jeden Fall.

Joey: Ja. Sie sprachen von ... Sie haben das Wort "Friseure" benutzt, das ich liebe. Wissen Sie, wie viel Geld muss bei dieser Größe auf der Bank sein, damit die Besitzer des Studios nachts schlafen können, weil sie wissen, dass sie nicht die Hälfte der Mitarbeiter entlassen müssen, wenn es zwei Monate lang nicht läuft?

TJ: Studiobesitzer schlafen nachts nie. Es gibt immer etwas, aber mein ... Ich dachte immer, drei Monate seien gut, bis ich nach fünf Monaten gegen eine Mauer stieß, und deshalb würde ich sagen, sechs Monate. Ich würde sagen, sechs Monate sind genug, um sich eine gesunde Basis zu schaffen, aber ich denke, die andere Sache, die ich gelernt habe, ist, dass man wirklich gut abrechnen sollte,Sie müssen das in der Hochphase tun, also legen Sie eine Menge Ersparnisse auf das Geschäftskonto. Lassen Sie eine Menge Ausgangsrechnungen eingehen und beantragen Sie dann einen Kredit, wenn Sie ihn nicht brauchen. Auf diese Weise haben Sie Geld auf der Bank und eine Kreditlinie, die einfach offen und verfügbar ist, falls etwas schief geht.

TJ: Wenn die Dinge schief laufen und du versuchst, eine Kreditlinie zu eröffnen, wenn dein Bankkonto fast leer ist, wirst du sie nicht bekommen. Es wird einfach nicht passieren. Also, diese Kreditlinie ist nicht einfach zu bekommen. Ich denke, du musst zwei Jahre im Geschäft sein und deine Gewinn- und Verlustrechnungen für zwei Jahre vorweisen können, und ich denke, wie ich schon sagte, du musst genau in dem Moment zuschlagen, in dem die Dinge am besten aussehen, aber sobaldIch würde sagen, dass Ihr Ziel, und es ist nicht leicht zu erreichen, aber es sollte sein, sechs Monate lang die Kosten zu decken, so dass Sie, egal was passiert, Geld auf der Bank haben und den Weg vor sich haben, um in der Lage zu sein, Ihre Ausgaben zu decken.Nehmen Sie Anpassungen in Ihrem Team oder in Ihren Unternehmensentscheidungen vor, um die Belastung zu verringern, wenn Sie das müssen.

Joey: Ja, das ist ein unglaublicher Ratschlag. Ich habe genau den gleichen Ratschlag von unserem Buchhalter bekommen. Als School of Motion zu wachsen begann, sagte er: "Geh jetzt zur Bank und besorg dir einen Kreditrahmen. Du weißt nie, ob du ihn brauchst", und falls jemand zuhört und nicht weiß, was ein Kreditrahmen wirklich ist, ist es im Grunde eine Garantie, dass die Bank dir Geld gibt, wenn du es brauchst, und du es zurückzahlstwie bei jedem anderen Kredit auch, eine monatliche Zahlung.

Joey: Das hat mich irgendwie an etwas anderes erinnert, TJ, über das wir noch nicht gesprochen haben, nämlich den Cashflow und speziell Freiberufler sind an Netto 30 Bedingungen gewöhnt, aber ich weiß, dass sie dich auslachen, wenn du in diese größeren Budgets kommst, Netto 30, also was ist der typische Durchlauf, wenn du ein Budget von 100.000 hast? Bekommst du den Scheck 30 Tage nachdem du die Rechnung eingereicht hast?

TJ: Also, ich bin ziemlich knauserig mit meinen Verträgen und ich dränge immer auf die Netto 30, aber das bedeutet nicht, dass sie mir tatsächlich nach 30 Tagen einen Scheck schicken, und so baue ich in die Verträge die Netto 30 plus eine Strafe für einen kleinen Betrag für jede Zeit danach ein, aber ja, was auf der Seite des Studios anders ist als auf der Seite der Freiberufler, ist, dass das Studio den Freiberuflern immer noch innerhalb von 30 Tagen etwas schuldet, egal ob dieEs gibt einige Studios, mit denen ich nicht einverstanden bin, die eine Politik verfolgen, die besagt: Wenn wir nicht bezahlt werden, werdet ihr auch nicht bezahlt, bis wir bezahlt werden. Ich denke, das ist ein guter Weg, um gute Künstler davon abzuhalten, für euch zu arbeiten. Es ist eine doppelte Verneinung, aber ja.

TJ: Wissen Sie, das ist ein guter Weg für ... Als wir Oddfellows gegründet haben, war es mein Ziel, unsere Künstler so schnell wie möglich zu bezahlen. Kümmere dich um deine Leute, damit sie sich um dich kümmern. Ich denke, das sollte dein oberstes Ziel als Studiobesitzer sein, deine Leute an die erste Stelle zu setzen, und damit meine ich nicht nur deine Angestellten, sondern jeden, der als Freiberufler oder anderweitig Teil deines Teams ist. Aber du hast Recht,Was auf einer größeren Ebene passiert, ist, dass einige dieser großen Organisationen eingebaut haben: "Nun, wir zahlen netto 90 oder wir zahlen netto 45." Falls jemand nicht weiß, was das bedeutet, es sind einfach 30 Tage, 45 Tage, 90 Tage, um Sie zu bezahlen. Sie können zwei Dinge tun. Wenn Sie in den Bereich von netto 90 kommen, ändere ich normalerweise meine Rechnungsstellungspolitik, so dass mein Standard netto 30, 50/50 wäre. 50 % an dem Tag, an dem ich einen Vertrag unterschreibeVertrag und 50 %, wenn wir Ihnen die endgültigen Dateien liefern.

TJ: Man kann das für manche Kunden noch weiter aufschlüsseln, z. B. nach Meilensteinen und der Bezahlung während des gesamten Prozesses, aber das wird ein bisschen kompliziert und chaotisch, aber wenn ich sage: "Nun, ich werde dieses Projekt übernehmen, aber Sie werden mich netto 90 bezahlen", dann müssen Sie mir 75 bis 80 % am Tag der Unterzeichnung bezahlen, damit wir den Großteil des Budgets auf unserem Bankkonto haben, während wir das Projekt abliefern.Theoretisch sind die letzten 20 % ohnehin nur Ihre Gewinnspanne, so dass Sie mit den 80 %, die Sie im Voraus in Rechnung stellen, zumindest alle Ihre harten Kosten gedeckt haben.

TJ: Das wird einfacher zu verhandeln sein, je etablierter dein Studio ist. Nicht alle Kunden werden sich sofort darauf einlassen. Es ist eine schwierige Diskussion. Das ist ein weiterer Grund, warum du wirklich eine solide Geschäftsperson oder einen EP oder was auch immer brauchst, der diese Art von schwierigen Gesprächen mit Leuten führen kann, die ihnen auf der rechtlichen Seite wahrscheinlich überlegen sind, richtig? Du hast dieseMan muss also in der Lage sein, sich auf Augenhöhe mit den Anwälten zu unterhalten.

Joey: Ja, das ist ein wirklich guter Trick, einfach im Voraus mehr zu verlangen. Ich habe immer 50/50 gemacht, wenn das Budget groß genug war. Ich meine, es gab nicht so viele Kunden, mit denen wir zusammengearbeitet haben, die Netto 90 ... Ich meine, es gibt Kunden mit Netto 120 Bedingungen. Typischerweise sind das wirklich gigantische, wie Autohersteller, solche Sachen, aber ja, ich liebe diesen Trick. Also, lassen Sie uns über die nächste Stufe sprechen. IIch habe keine Erfahrung damit, in einem Studio wie The Mill oder Buck zu arbeiten. Ich weiß aber, dass Sie mit vielen der Mitarbeiter und vielleicht sogar mit einigen der Eigentümer gesprochen haben. Wenn Sie auf diese Ebene kommen, haben Sie 30 bis 50 Mitarbeiter. Sie haben ein 20.000 Quadratmeter großes Büro, wahrscheinlich eine Vollzeit-IT-Person. Sie befinden sich auf einer ganz anderen Ebene. Wie sieht es ausWie sieht es aus der Sicht des Eigentümers aus? Wie hoch sind die monatlichen Kosten? Wie hoch sind die Budgets, die Sie anstreben?

TJ: Ja, auf jeden Fall. Wir haben über eine kleine bis mittlere Größe gesprochen, die bei etwa 100.000 lag, also können Sie sich vorstellen, wie groß Ihre Gemeinkosten werden, wenn Sie diese Größe erreicht haben. Besonders bei dieser Größe betreiben Sie wahrscheinlich mehrere Büros, also müssen Sie diese Gemeinkosten vervielfachen. Wir sprechen also von Hunderttausenden von Dollar pro Monat, nur um Ihre Basis zu decken, nur um Ihre Ausgaben vom ersten Tag an zu decken. Also,Die Projekte, die man annimmt, müssen sich massiv verschieben. Das Durchschnittsbudget eines Studios dieser Größe liegt wahrscheinlich bei 2 bis 500.000 Euro. Der Unterschied für diese Studios ist, dass sie tiefere und längere Beziehungen zu ihren Kunden aufbauen als ein Studio auf mittlerer Ebene.

TJ: Auf dieser mittleren Ebene sind Sie also im Grunde ein Anbieter, richtig? Wir haben bereits festgestellt, dass wir ein Video brauchen. Wir brauchen ein Video oder wir brauchen drei davon oder was auch immer, aber wir kommen mit dieser einen Anfrage zu Ihnen. Was Buck oder The Mill oder diese Leute machen, ist, dass sie sagen: "Cool, aber lass uns das in ein Retainer-System verpacken" oder "lass uns ein Konto auf Annuitätenbasis mitEs gibt also Skaleneffekte, die sowohl für den Kunden als auch für das Studio von Vorteil sind, aber was Sie sagen, ist, dass Sie auf diesem Niveau sind. Sie haben Leute eingestellt, die wissen, wie man diese Gespräche führt, wie man diese Strategie entwickelt und wie man sie umsetzt.Das ist etwas, was bei einer Größe von 10 Personen nur schwer möglich ist. Ich glaube, es gibt ein paar Studios, die das großartig machen, aber erst bei den großen Studios sieht man das viel häufiger.

TJ: Was sie auch tun, ist, dass sie nicht nur eine Dienstleistung verkaufen. Bei dieser Größe sind sie definitiv diversifiziert. Sie bieten eine Strategie an. Sie sind im Grunde wie ... Sie sind größer als ein Animationsstudio. Sie sind eher eine Produktionsfirma, eher eine Agentur. Sie bieten eine ganzheitliche Partnerschaft mit dem Kunden. Vielleicht haben sie Entwickler in ihrem Team, damit sie tatsächlich produzieren können.digital, und was für sie cool ist, ist, dass sie eine Größe und einen Bekanntheitsgrad erreicht haben, bei dem sie viel weniger verhandeln müssen als ein mittelgroßes Studio. Sie können etwas wählerischer sein, weil jeder mit ihnen arbeiten will. Wenn sie diese Größe erreicht haben, bedeutet das, dass sie zu den Top-Shops gehören, die ... Die meisten von ihnen sind die Leute, die schon lange dabei sind, also wie dieBucks, die Mills, die Psy Ops, die neueren, würde ich sagen, Golden Wolf hat einen erstaunlichen Job gemacht, um sich auf dieses Niveau zu bringen, aber es ist wirklich schwer, dorthin zu kommen, und dann ist es ein viel größerer Brocken, den man jeden Monat unterstützen muss, wenn man erst einmal dort ist.

Joey: Ja, ich habe den Eindruck, dass die Besten der Besten und die Namen, die Sie da aufzählen, die Psy Ops, die Bucks, die Mills, die Spitze der Spitze der Spitze sind, und es scheint, dass es immer Kunden geben wird, die mit den Besten der Welt zusammenarbeiten wollen. Diese Unternehmen sind also bei dieser Größe sicher. Ich hatte kürzlich das erstaunlicheIch hatte das Privileg, das Büro von Buck in New York zu besuchen. Das stand auf meiner Wunschliste, und wenn ich mir ansehe, was sie jetzt machen, ich meine, ich kann nicht über Einzelheiten sprechen, aber wirklich große, gigantische Kunden, und sie erfinden im Grunde neue Techniken, um die Art von Arbeit machen zu können, die diese Kunden verlangen, und sie sind auf dem neuesten Stand.

Und The Mill ist ein weiteres Beispiel für ein Studio, das dies tut. Sie haben dieses Auto-Rig erfunden, um Werbespots für Autos zu drehen und im Grunde in Echtzeit zu sehen, wie das Auto aussehen wird, aber in der Lage zu sein, es mit einem anderen Chassis, einem anderen Modell auszutauschen, und das ist sozusagen das, was die Besten der Besten können, aber es gibt auch eine MengeDie alten Studios, die Ende der 90er und Anfang der 2000er Jahre auf 30 bis 50 Mitarbeiter und sogar noch größer angewachsen sind, brechen jetzt wirklich zusammen, und es gibt ein paar, die kurz vor dem Aus stehen. Ich bin einfach neugierig, ob Sie glauben, dass die Größe der großen Studios immer weniger haltbar ist, es sei denn, Sie sind die Besten der Besten?

TJ: Ja und nein. Ich würde also sagen, dass Sie wirklich hervorgehoben haben, warum diese Studios im Vergleich zu den anderen so gut abgeschnitten haben. Buck and The Mill, Psy Op, Tendril, Unternehmen wie diese haben sich umorientiert und hatten den Weitblick, den Geschehnissen in der Branche voraus zu sein, ihr Angebot zu diversifizieren und ihre Fähigkeiten zu nutzen, um neue Möglichkeiten zu erschließen, wo einige der StudiosEs ist so, dass sie eine Sache wirklich gut angeboten haben, aber diese eine Sache ist nicht mehr gefragt, und so ... Oder sie haben zu viel investiert in ... Wissen Sie, es ist wie ich sagte, als ich anfing, war alles Flamme. Sie haben gesehen, wie all diese Studios auf Flamme gingen, und wie oft sehen Sie einEs scheint, als gäbe es noch einige wenige, aber sie sind nicht mehr so zahlreich.

TJ: Ich kenne einige großartige Flame-Artists, die früher erstklassige Aufträge bekamen und jetzt darum kämpfen, überhaupt einen Auftrag zu bekommen, obwohl sie After Effects nie gelernt haben. Ich denke also, was man sieht, ist die Notwendigkeit, und ich denke, das ist nicht nur spezifisch für die Animation. Ich denke, das gilt für die gesamte Branche und die Agenturseite und alles. Wenn man sich über Wasser halten will, wenn manUm relevant zu bleiben, müssen Sie in der Lage sein, zu diversifizieren und andere Möglichkeiten zu finden, Ihre Fähigkeiten zu nutzen, um Ihren Kunden mehr zu bieten.

Joey: Ja, das ist absolut wahr, und das führt mich zur nächsten Frage. Um also zu schwenken und sich nach vorne zu orientieren und immer nach dem Ausschau zu halten, was am Horizont auftaucht, braucht man Bandbreite, und so braucht man jemanden an der Spitze, der seinen Kopf nach links und rechts schwenkt und schaut, was kommt, aber man braucht auch Kapital, um das zu tun, und das kommt von denDas ist ein seltsames Konzept, denke ich, vor allem für Freiberufler, die ... Als ich freiberuflich tätig war, war mein Gehalt im Grunde das, was ich von meinen Kunden bekam. Ich habe es nie so betrachtet, als ob das meine Gewinnspanne wäre, aber als Studiobesitzer muss man plötzlich so denken, also was ist ein gesunder Gewinn?Spielraum für Bewegungsdesign?

TJ: Ja, und ich denke, dass es skaliert und irgendwie auch zu dem passt, was du sagst. Du wirst sehen, dass es mit der Größe des Studios skaliert, und nicht, dass es das sollte. Es ist nur so, dass ich sehe, was jeder macht, also auf der Ebene des wirklich kleinen Studios machen sie entweder keinen Gewinn oder sie machen es super minimal, weil sie zu viel Angst haben, danach zu fragen. Auf der Ebene der mittleren Größe bist duSie werden im Durchschnitt etwa 20 bis 25 % des ausgewiesenen Gewinns erzielen, aber bei diesen großen Unternehmen liegt das Minimum bei 30 %, aber sie machen wahrscheinlich 50 % Gewinn, wenn nicht sogar mehr, und das erreichen sie durch eine Mischung aus der Darstellung des Gewinns, aber auch durch das Einrechnen in ihre Tarife und das Aufpolstern ihrer Tarife, um sicherzustellen, dass sie diese Schwelle immer erreichen.

TJ: Man kann das so oder so sehen, aber es ist einfach der Grund, warum sie in der Lage sind, das Geld in die größeren Gelegenheiten zu investieren, weil sie klug genug waren, es dort hineinzubringen und es zu verkaufen. Das ist der Grund ... Ich glaube, Ryan Honey sagte auf einer der Blend-Konferenzen so etwas wie: "Nur 10% der Arbeit, die Sie auf Bucks Website sehen, ist das, was sieund die anderen 80 bis 90 % sind das, was die Rechnungen bezahlt", und so nehmen sie eine Menge Arbeit an, die vielleicht nicht so sexy ist, wie das, was auf ihrer Rolle und allem anderen steht, aber es baut irgendwie den Gewinn auf. Sie verdienen ihr Geld mit diesen Endkarten und was nicht, so dass sie dieses Geld wieder in die Überlieferung und Überdrehung einiger der cooleren Gelegenheiten investieren können, diesie die Berühmtheit.

TJ: Es ist im Grunde wie eine Verkaufsschleife: Wir werden in das investieren, damit jeder sieht, wie gut wir sind, und dann werden sie zu uns zurückkommen, um die Sachen zu kaufen, die tatsächlich Geld bringen.

Joey: Ja. Ich war mit Ryan auf der Bühne, als er das sagte, und mir fiel die Kinnlade auf den Boden. Ich glaube, er sagte, dass 92 % oder so von dem, was sie machen, nicht auf der Website landet. Es ist witzig, weil du irgendwie angedeutet hast, dass einige Leute sich vielleicht sogar ein bisschen unwohl fühlen, weil du 50 % Gewinn machst... Oh mein Gott, du bist gierig oder so. Du gieriger Kapitalist, aber ich habe eigentlichIch spreche oft mit Freiberuflern darüber, genau das zu tun, denn es gibt Jobs, die man nicht auf seine Rolle setzen wird, die wirklich nur dazu da sind ... Sie müssen erledigt werden, sie müssen richtig gemacht werden, aber sie halten dich am Leben. Niemand wacht wirklich auf und denkt: "Ich kann es kaum erwarten, heute 100 Western-Union-Endschilder zu machen." Aber wenn du das tust, verdienst du genug Geld und genug Gewinn, dass du jetztsich einen Monat Zeit nehmen und an einem tollen Studioprojekt arbeiten, das ... Buck hat das ziemlich konsequent gemacht.

Joey: Ich kann mir nicht vorstellen, was das Stück von Good Book, das sie auf die nächste Stufe gehoben hat, gekostet hat. Sie haben definitiv kein Geld damit verdient, aber der einzige Grund, warum sie es tun konnten, war die Gewinnspanne, also ist es gut, das zu hören. Ich glaube wirklich, dass das eine Menge Sinn macht.

TJ: Ja, und ich denke, es ist wichtig für die Leute, die anfangen oder für die die Idee der Gewinnspanne neu ist, dass man sich selbst wertschätzt. Man muss das wertschätzen, was man an den Tisch bringt, und ich denke, das ist das Schwierigste für die Leute zu verstehen, wie zum Beispiel dein Freelancer-Tarif, der großartig ist. Wenn du ein Freelancer bist, dann mach einfach deinen Tarif und erhöhe deinen Tarif, bis duaber wenn Sie mehr als nur einen einzelnen Freiberufler übernehmen ... Sie sollten sich überlegen, was Sie da reinstecken. Ich füge den Stress hinzu, ich füge das Kundenmanagement hinzu, aber auch das Mitarbeitermanagement, und ich bringe all diese Teile für Sie zusammen ... Wissen Sie, es gibt einen Mehrwert, der über das hinausgeht, was Sie einfach nur verdienen müssen, um das abzudecken, was Sie für den Tag tun, und so ist die 20 %-MarkeErstens muss man sich selbst wertschätzen, und zweitens muss man in sich selbst für die Zukunft investieren.

Joey: Ja. Das ist ein wirklich guter Ratschlag. Also, lassen Sie mich Sie etwas fragen... Jetzt, wo wir über Gewinnspannen sprechen und über die Notwendigkeit, selbst bei einem mittelgroßen Studio Hunderttausende von Dollar auf der Bank zu haben, um wirklich sicher zu sein und zu investieren und diese Dinge zu tun, und als Studiobesitzer oder Miteigentümer sind Sie jetzt in dieser Situation, wo Sie ein Studio mitSie haben ein Bankkonto mit Hunderttausenden, vielleicht sogar Millionen von Dollar auf der Bank. Wie wirkt sich das auf die Vergütung des Inhabers aus? Wie werden die meisten Studiobesitzer bezahlt? Haben sie ein Gehalt und dann eine Art Bonus oder ist das Bankkonto des Unternehmens eine Art Schmiergeldkasse für den Inhaber? Wie funktioniert das normalerweise?

TJ: Im Grunde genommen wird das alles vorher festgelegt, wenn Sie Ihre Partnerschaft beginnen. Sie schreiben gemeinsam einen Vertrag und entscheiden alle gemeinsam, wie Sie es machen wollen, aber der typische Weg ist, dass Sie ein Grundgehalt nehmen. Dieser Satz wird nicht so hoch sein, wie die Leute wahrscheinlich denken. Sie versuchen wahrscheinlich, einen Satz zu halten, der ausgewogen ist zwischen einem anständigen Gehalt, aber nicht so hoch, dassMan bekommt also vielleicht von Monat zu Monat weniger, als manche Leute denken, aber das gleicht sich aus, wenn man am Ende des Geschäftsjahres eine Gewinnbeteiligung erhält.

TJ: Wie diese Gewinnbeteiligung aussieht, ist bei jeder Partnerschaft völlig unterschiedlich und hängt davon ab, wie sie aufgebaut ist. Es könnte eine 50/50-Partnerschaft sein, bei der es zwei Eigentümer gibt, aber vielleicht hat einer von ihnen andere Unternehmungen und besitzt nur 10 bis 20 % des Unternehmens, während jemand 80 % besitzt, so dass es, obwohl es zwei Firmenchefs gibt, nicht unbedingt bedeutet, dassDie Höhe des Gewinns, den sie aus dem Unternehmen ziehen, hängt davon ab, was sie am Ende des Jahres entscheiden und was der Buchhalter für klug hält, denn auch hier geht es darum, ein Gleichgewicht zu finden, um genug Geld auf der Bank zu haben, damit man zu Beginn des neuen Geschäftsjahres abgesichert ist und zu Beginn eines jeden Jahres wieder auf die Beine kommt.Das ist alles schlauer als ich, und man sollte jemanden bezahlen, der sich damit wirklich auskennt, um das herauszufinden.

Joey: Genau. Ja, ich kann Ihnen sagen, dass die Art und Weise, wie ich es gesehen habe und ähnlich der Art und Weise, wie wir es bei toil gemacht haben, am Ende des Jahres ist, dass Sie sich den Gewinn ansehen können, den das Unternehmen gemacht hat, und es gibt normalerweise einen bestimmten Prozentsatz davon für die Gewinnbeteiligung, also sagen wir, es sind 10 % des Gewinns oder 20 %, und dann sagen Sie: "Okay, wir haben in diesem Jahr 200.000 Dollar Gewinn gemacht,Wir nehmen also, sagen wir, 20.000 davon und verteilen sie an die Eigentümer entsprechend ihrem Anteil am Unternehmen." Das ist eine ziemlich übliche Vorgehensweise, aber ich wusste nicht, ob es noch andere Methoden gibt, aber das macht sehr viel Sinn.

TJ: Nein. NEIN, so sehe ich es eigentlich überall.

Joey: Ich möchte Sie etwas fragen, was Sie im Motion Hatch Podcast, einem anderen unglaublichen Podcast, gesagt haben. Sie haben darüber gesprochen, wie Sie normalerweise ein Angebot für einen Auftrag erstellen, und ich glaube, Sie haben gesagt, dass Sie den Gewinn direkt in das Angebot aufnehmen, so dass der Kunde ihn sieht, anstatt den Gewinn in den Preis einzubauen. So hat mein Studio es zum Beispiel so gemacht, dass wir gesagt haben: "Okay, der tatsächlicheDie Kosten für eine Stunde oder einen Tag Design sind so hoch, wir verdoppeln das", und das wird der Kunde sehen, und so ist der Gewinn einfach mit drin. Er weiß nicht, wie viel Prozent davon Gewinn ist". Oder nein.

TJ: Eine Mischung aus beidem. Normalerweise würde ich ein Projekt so ausschreiben, dass ich ... Sagen wir, ich habe ein Team von fünf Animatoren, die ich auf dieses Projekt ansetze, und ich weiß, dass es sich um After Effects-Künstler handelt. Ich weiß, dass mein teuerster potenzieller Freiberufler, sagen wir, 800 Dollar pro Tag kostet, aber die anderen vielleicht 500 Dollar pro Tag. Also würde ich jeden auf mindestens 800 aufstocken, wenn nicht ... 800, ja.Ich würde sie irgendwo zwischen 800 und 1.000 ansetzen, damit ein gewisser Puffer vorhanden ist, um sicherzustellen, dass - sagen wir mal, ich hatte geplant, dass meine Mitarbeiter die Arbeit erledigen, und plötzlich ist mein gesamtes Personal krank, und die einzigen Leute, die zur Verfügung stehen, sind erstklassige After-Effects-Künstler. Egal, was passiert, ich weiß, dass ich zumindest abgesichert bin, also halte ich das für wichtig, und dann würde ich noch einen Grundpreisaufschlag von 25 % ansetzen und soDiese 25 % sind speziell dafür vorgesehen, Ihnen einen Verhandlungsspielraum zu geben, der wirklich ... Es ist einfacher, dort runterzukommen, als Ihr Team zu verstärken.

TJ: Sagen wir, ich sage, es sind fünf Animateure, weil ich wirklich denke, wenn ich das wirklich gut machen will, möchte ich diese fünf Animateure im Angebot behalten, und anstatt dass ein Kunde versucht, mich zu übervorteilen, indem er mir vorschreibt, wie viele Leute er braucht, um den Job zu erledigen, gebe ich ihm einen anderen Platz, auf den er seine Aufmerksamkeit richten kann, aber worüber ich gesprochen habe, ist, dass ich denke, dass es zu diesem Zeitpunkt beim Backen ist,Was ich nicht gerne sehe, und ich sehe das normalerweise nur bei den älteren Studios, aber es gab lange Zeit einen Trend zu ... Wenn Sie ein QuickTime wollen, kostet es 150 Dollar pro QuickTime, das wir für Sie hochladen. Die Kunden sind nicht dumm. Sie wissen, dass es Sie nicht 150 Dollar gekostet hat, diese Datei für sie auf Dropbox zu ziehen. Also, diese Ebene der Granularität ist, wo ich persönlich kein großer Fan bin, aber es gibt immer noch einen Haufenvon Orten, die das tun.

Joey: Ja, das habe ich auch schon erlebt. Früher haben wir das so gemacht, und ich habe das sogar als Freiberufler gemacht, dass ich sozusagen eine Kombination daraus gemacht habe. Man polstert den Stundensatz ein bisschen auf, z.B. für Animationen, um eine gute Gewinnspanne zu bekommen, aber dann habe ich auch noch ein paar Sachen dazugegeben, z.B. wenn es ein schwerer 3D-Job war, habe ich vielleichtwie eine Rendering-Farm-Gebühr oder so etwas.

TJ: Oh ja. Ich denke, das ist super wichtig, um es kurz anzusprechen. Entschuldigung, das ist nicht... Meiner Meinung nach ist das nicht das Einrechnen der Gewinnspanne, sondern wirklich alles, was potenziell auftauchen könnte, denn was man nicht will, ist, am Ende eines Projekts zu sagen: "Oh, weißt du was? Wir müssen eine Renderfarm benutzen. Wir müssen dir dafür einen Aufschlag berechnen."Wenn Sie also die Rendering-Farm nicht brauchen, ist das für Sie ein zusätzlicher Gewinn, der bereits vereinbart wurde, und in der Vorstellung des Kunden war das immer notwendig, aber Sie wollen das nicht nicht einkalkulieren, weil Sie es vielleicht nicht brauchen. Also, mit diesem Niveau bin ich absolut einverstanden. Es sind eher, wie ich schon sagte, die kleinen zusätzlichen Gebühren, die irgendwie unsinnig sind.

Joey: Die Kleinigkeiten, ja, und außerdem ist es ein großartiges Verhandlungsinstrument, wenn man solche Gebühren hat, wie z. B. eine Rendering-Farm-Gebühr, denn meine Geschäftspartner haben immer gesagt, dass man niemals den Preis senken sollte, um das Budget an die Erwartungen des Kunden anzupassen, denn dann werden sie jedes Mal einen niedrigeren Preis erwarten, wenn man also diese Posten einfügt, die ... Sie sind echt, man braucht sie, aber sie sind aufgefülltDann haben Sie eine Stelle, an der Sie kürzen können, ohne sich bei der nächsten Zusammenarbeit mit einem Kunden ins eigene Fleisch zu schneiden.

TJ: Ja, genau.

Joey: Ja. Also, du hast einige Preise für Freiberufler erwähnt und warum reden wir nicht ein bisschen darüber. Wie sieht es heutzutage mit den Preisen für Freiberufler aus? Was siehst du für eine Bandbreite und was erwartest du auf jeder Ebene?

TJ: Ja, es hat sich nicht viel verändert, was seltsam ist. Die Leute bekommen sicherlich mehr Geld und konzentrieren sich vielleicht mehr auf das obere Ende, aber wir sind immer noch im Bereich von 450 bis 800, was schon seit einer Weile der Fall ist. Bei jedem, der über 800 liegt, wirst du auf einige ... Auf Agenturebene könntest du auf Kostenberater treffen, die dir nicht erlauben, einen Animateur über 800 einzustellen, oder du könntest nicht ... dieWenn Sie ein Spezialist sind, ist das etwas anders. Wenn Sie in einer bestimmten Sache hochqualifiziert sind, können Sie mehr verlangen, und das kann bis zu 2.000 Dollar pro Tag ausmachen, aber der Bedarf für diese Leute ist so viel geringer, dass es für sie viel schwieriger ist, Arbeit zu bekommen.Als typischer After Effects-Animator bewegen Sie sich wahrscheinlich im Bereich von 450 bis 800, und dann wird es ein wenig interessant, wenn Sie anfangen, mit Designern zu arbeiten.

TJ: Es gibt Designer, die mit dir zusammenarbeiten, die wahrscheinlich immer noch am oberen Ende der Skala liegen. 5 bis 1.000 Dollar pro Tag, aber es gibt auch Designer, die nur auf Projektbasis arbeiten oder Lizenzgebühren und so weiter, und das ist dann schon ein bisschen mehr, aber im Allgemeinen ... Wenn jemand weniger als 450 pro Tag verdient, nehme ich automatisch an, dass er zu jung ist.haben noch nicht erkannt, dass sie noch nicht so weit sind, und jeder, der mehr als 800 pro Tag verdient, sollte innehalten, denn ist das, was er bringt, so astronomisch besser als das, was ich für jemand anderen bekommen kann, der im Bereich von 6 bis 800 Dollar liegt, und braucht dieses Projekt wirklich dieses Maß an Seniorität? 80 % der Zeit wird es wahrscheinlich nicht so sein, und alles, was über 800 hinausgeht, gerät in den Grenzbereich von "wir".bevor wir diese Person einstellen, vielleicht woanders suchen.

Joey: Weißt du, wir haben vorhin ein bisschen darüber gesprochen, dass man als Studio einen schlechten ersten Eindruck bekommt, wenn man zu wenig verlangt. Der Kunde könnte denken: "Oh, die sind neu, die sind nicht so gut, weil sie nicht so viel verlangen." Funktioniert das auch auf der Ebene der Freiberufler?

TJ: Ja, das stimmt. Es spielt keine Rolle, wie gut Ihre Arbeit ist. Wenn Sie Ihren Preis so niedrig angesetzt haben, stellt sich dem anstellenden Produzenten die Frage: "Nun, sie haben wohl nicht die Erfahrung, um zu wissen, was sie wert sind, welches Risiko gehe ich also ein, wenn ich sie anstelle?" Das ist vielleicht nicht immer richtig, aber es ist die erste Schlussfolgerung,Wenn jemand zu mir kommt und 250 Dollar pro Tag verlangt, gehe ich automatisch davon aus, dass er mehr Management braucht, dass er vielleicht nicht auf einem Niveau liefert, das gut genug ist, dass er vielleicht mehr Aufsicht braucht, was mich eigentlich mehr kostet, weil es mehr Zeit meines Kreativdirektors oder mehr Zeit meines leitenden Animateurs beanspruchen würde, so dass ich einfach weitermache und der Mehrwert von 200 Dollar pro Tag sich nicht lohntIch gehe das Risiko ein.

Joey: Ja. Normalerweise rate ich Leuten, mit 500 anzufangen. Ich meine, damit habe ich angefangen, und das ist jetzt auch schon lange her, also ist es irgendwie interessant, dass die Preise nicht so sehr gestiegen sind. Ich meine, 800 Dollar pro Tag zu verlangen, das ist höher als mein Tagessatz jemals war. Ich glaube, als ich mit der Freiberuflichkeit fertig war, waren 700 ein wirklich hoher Tagessatz, zumindest in Boston, und vielleicht war esIn New York und L.A. ist das anders, aber das ist ein wirklich guter Ratschlag für jeden, der zuhört und Freiberufler ist. Ich bin sicher, dass jeder... Eine Sache, die ich fragen wollte, war, dass jeder Freiberufler, der zuhört, denkt: "Wie komme ich zu diesem 800-Dollar-Tagessatz?" Ich bin neugierig, was macht jemanden so viel wert?

TJ: Ja, das ist interessant. Es ist ein zweischneidiges Schwert. Es ist eine wirklich gute Zeit, um Freiberufler zu sein, weil es so viele Möglichkeiten gibt. Andererseits gibt es gerade jetzt so viele junge Talente. Als ich anfing, gab es nur sehr wenige Läden und sehr wenige Leute, die so etwas machten, also war es in dieser Hinsicht schwer, hineinzukommen, aber es gab auch nicht viel Konkurrenz.Jetzt ist es genau umgekehrt, es gibt so viele ... Wir sind fast übersättigt mit After Effects-Generalisten, oder? Es gibt so viele von ihnen, dass gute Animationen im Grunde genommen einfach erwartet werden. Man muss ein guter Animator sein. Man muss ein guter Künstler sein. Nur um einen Fuß in die Tür zu bekommen, muss man gut in seinem Handwerk sein.

TJ: Also, ich schaue da nicht zuerst drauf. Ich gehe einfach davon aus, dass jeder dieses Grundniveau an Qualität haben sollte, und für mich wird es, vor allem, weil ... Wahrscheinlich, weil ich ein Produzent bin und ich die Gesundheit des Studios als Ganzes betrachte. Die Persönlichkeit übertrumpft alles andere. Es ist wie jemand, der vielleicht 80% des Künstlers ist, aber 120% der Persönlichkeit des Studios und der eine gute Einstellung hat undIch würde lieber mit jemandem zusammenarbeiten, der vielleicht ein bisschen mehr braucht, um seine Arbeit auf das von uns gewünschte Niveau zu bringen, der aber begeistert und glücklich ist und das Team als Ganzes bereichert, als jemanden einzustellen, der vielleicht ein kompletter Brecher ist und die Stimmung im Studio zerstört.

Joey: Hast du das gleiche Gefühl ... Wir haben vorhin über das Risiko gesprochen, ein kleines Studio zu beauftragen. Spielt das auch eine Rolle? Würdest du lieber jemanden bezahlen, der teurer ist, vielleicht nicht so gut, aber du weißt einfach, dass er es schaffen wird. Du musst nicht auf ihn aufpassen. Du kannst schlafen wie ein Baby.

TJ: Ja, genau das denke ich auch. Ich fühle mich sicherer, wenn ich mit dieser Person vorankomme, weil ich weiß, dass sie eine großartige Einstellung hat und mir hilft, es zu schaffen, als mit ... Jemand, der eine Spitzenperson ist, bringt vielleicht eine Art von "Ich weiß, was ich tue, und ihr müsst mich mein Ding machen lassen" mit, und vielleicht hat er bis zu einem gewissen Grad Recht, aber dasDiese Reibung kann zu Störungen im Prozess führen, die sich auf den Rest des Teams auswirken und in dieser Hinsicht ein gewisses Risiko darstellen.

Joey: Ja. Bevor wir weitermachen, wollte ich dich etwas fragen, weil das etwas ist, das ... Hin und wieder höre ich von Freelancern, die so talentiert sind, aber mit denen es sehr schwierig ist, zusammenzuarbeiten, weil sie sich wehren, weißt du? Aus deiner Sicht, was ist es ... Wenn du einen Freelancer bittest, eine Änderung vorzunehmen, die die Animation objektiv gesehen weniger cool macht, und es ist nichtund sie sagen: "Nein, das ist eine schlechte Note. Das wird nicht cool sein", was bewirkt das bei Ihnen?

TJ: Nicht unbedingt... Für mich geht es mehr darum, zu wissen, wann man Druck macht und wann nicht, und ich denke, das liegt zum Teil am Studio und am Produzenten, die den Freelancer engagiert haben. Ich denke, was oft passiert, ist, dass das Studio nicht mit dem Freelancer kommuniziert. Sie haben das Gefühl: "Ich habe dich engagiert, um einen Job zu machen, mach einfach den Job", aber auf dieser Ebene geht es darum, wasdie sie auf den Tisch bringen, wie ich schon sagte, könnten richtig sein. Wie, vielleicht hey, das ist nicht toll. Wie, was ist der Grund dafür?

TJ: Ich denke, dass die Transparenz zwischen den beiden sehr hilfreich ist. Wenn Sie also ein wirklich transparenter Produzent und Kreativdirektor sind, der sagt: "Hey, wir wissen, dass dies die Qualität des Übergangs beeinträchtigen wird, aber hier ist der Grund und hier ist der Grund, warum wir es tun müssen", und/oder: "Hey, wir werden dies tun, weil der Kunde wirklich darauf besteht, aber wir werden einen Director's Cut machenIch denke, wir arbeiten in einer wirklich großartigen Branche, in der es größtenteils toll ist, mit allen zusammenzuarbeiten, aber es gibt einige wenige, die sagen: "Nein, dann mache ich es nicht." Diese Leute kommen einfach nicht oft ins Geschäft zurück. Verstehen Sie? Es ist wie: "WarumWürde ich diese Person wieder einstellen, wenn ich weiß, dass sie so schwierig sein wird?"

Joey: Ja, ich kann sehen, warum du so ein guter Produzent bist, TJ, denn die Art und Weise, wie du darauf geantwortet hast, war wirklich perfekt: "Vielleicht haben sie recht. Lass uns das transparent machen" und all das. Lass uns über deine einzigartigen Erfahrungen sprechen, sowohl auf der Studio- als auch auf der Anbieterseite, aber auch auf der Kundenseite. Es scheint, als ob du in deiner Karriere ein paar Mal hin und her gesprungen bist,Das erste, was ich fragen möchte, ist, was der durchschnittliche Motion Designer deiner Meinung nach falsch sieht. Ich meine, manchmal gibt es, besonders in den sozialen Medien, diese "Wir-gegen-die"-Mentalität, in der wir das Studio oder der Freiberufler sind, wir sind der Künstler, richtig? Dann haben wir den Kunden und müssen uns mit ihm arrangieren. Gibt es Dinge, dieWas glauben Sie, würde jemanden mit dieser Einstellung auf Kundenseite überraschen?

TJ: Ja, ich denke... Ich weiß nicht, was die Leute überraschen würde, aber ich denke, was ich dazu sagen würde, ist, dass ich definitiv auf der Seite des Anbieters war, wo ich sagte: "Diese Kunden sind Idioten. Das ist so eine schreckliche, hässliche Idee", und ich denke, das ist eine ziemlich häufige... Um auf Ihren Punkt zurückzukommen, es ist wie ein "wir gegen sie". Es ist wie: "Warum will der Kunde nicht, dass wir das Ding machen", wissen Sie? "Sie haben uns beauftragt, dasLassen Sie uns einfach in Ruhe, und wir werden es großartig machen, und ich denke, dass es dafür bis zu einem gewissen Grad eine Zeit und einen Ort gibt, aber ich denke, was auf der Anbieterseite verloren geht, ist, wie ich vorhin sagte, dass Sie für ein Projekt eingestellt wurden, und Sie wurden für vielleicht sechs bis acht Wochen eingestellt, um an dieser Sache mitzuarbeiten, richtig?

TJ: Sie sprechen mit einer Agentur, die seit sechs Monaten bis zu mehreren Jahren mit dem Kunden zusammenarbeitet, und mit jemandem, der ganzheitlich sehen kann, wo dieses bestimmte Asset im Ökosystem der gesamten Kampagne oder einfach nur den Bedürfnissen des Kunden entspricht und was sie damit vorhaben, und während es für die Animateure vielleicht eine echte Qual ist, diese Linie zu ändern und einen Übergang zu verpatzen oderVielleicht ist das wirklich die Lösung für die eigentliche Frage, die der Kunde hat, und der Anbieter, der erst ein paar Wochen vorher eingeschaltet wurde, hat keinen Einblick in diese Frage, und ich denke, das ist ein Teil davon.

TJ: Ich glaube, der andere Teil ist, dass man als Verkäufer nicht sieht, wie oft die Agentur tatsächlich für einen kämpft. Nicht alle Agenturen. Es gibt einige, die einen nur als Verkäufer benutzen, um ihre Angebote zu machen und im Grunde zu Knopfdrückern zu werden, aber oft gibt es Kreative, die in Meetings sitzen und wirklich darum kämpfen, das zu bekommen, was man will, aber man ist nicht Teil davon.Ich denke, dass Kreative zu Filmstudios kommen, weil sie Fans ihrer Arbeit sind, und sie freuen sich darauf, mit ihnen zu arbeiten und alles zu tun, was sie können, damit das Studio das tun kann, was es am besten kann.

TJ: Auf der Anbieterseite sieht man das nicht, und vor allem nicht auf der Seite des Künstlers, oder? Vielleicht bekommt der EP auf der Anbieterseite das zu sehen, oder vielleicht der Kreativdirektor, aber oft sind die eigentlichen Animatoren und Designer, die die Arbeit machen, noch weiter von dieser Konversation entfernt, so dass ihnen einfach buchstäblich gesagt wird, dass sie diese Sache tun sollen, die so kontraintuitiv erscheint, ohne dass es einen Kontext dafür gibt, warum siedort gelandet.

Joey: Ja, das ist eine wirklich gute Perspektive. Ich habe festgestellt, dass im Allgemeinen jeder etwas wirklich Cooles machen will, vor allem, wenn man als Nachwuchskünstler am Anfang seiner Karriere steht. Ich meine, darum geht es. Zu diesem Zeitpunkt macht man es sicherlich nicht wegen des Geldes, und auf der Seite der Kunden ist es normalerweise auch das, was sie wollen, aber es sind einfach so viele Kräfte im Spiel, vor allem, wennEs gibt einfach so viele Interessengruppen. Ich möchte also über einen Trend sprechen, der schon seit einiger Zeit zu beobachten ist. Ich meine, vielleicht sogar seit ein paar Jahrzehnten, aber ich glaube, er hat bei vielen Technologieunternehmen wirklich begonnen, sich zu verstärken.

Joey: Das ist der Trend bei Werbeagenturen, aber auch bei Produktunternehmen. Google, Apple und Facebook bauen ihre eigenen Teams auf, anstatt ein Studio zu beauftragen. Ich frage mich, ob Sie mir sagen können, was das antreibt. Ist es nur Geld?

TJ: Ja, ich meine, es geht um Geld. Ich meine, es geht um... Nun, es geht um Geld und Effizienz, richtig? Einerseits ist es eine ziemlich einfache ökonomische Sache, richtig? Sie zahlen... Sie wissen, dass Sie für Künstler zu viel bezahlen, verglichen mit dem, was Sie für einen lokalen Freiberufler bekommen können. Sie wissen, dass Sie diesen zusätzlichen Aufschlag zahlen und Sie wissen, dass Sie für zusätzliche Produzenten- und Produktions- und Gemeinkosten und all das Zeug zahlen, alsoJa, es ist viel lukrativer, das alles intern zu machen, als das Geld ins Haus zu schicken, aber auf der Effizienzseite ist es auch so, dass man ständig ein neues Team einstellt, oder? Jedes neue Projekt bedeutet, dass man versucht, einen Anbieter über den Hintergrund zu informieren und darüber, warum man hier gelandet ist und was man tun muss und all das.

TJ: Einige Anbieter werden es verstehen, andere nicht. Je mehr Anbieter man einbezieht, desto größer ist die Gefahr, dass die visuelle Ausrichtung, das Storytelling und all diese Dinge nicht übereinstimmen. Wenn man also ein internes Team aufbaut, hat man wirklich ein effizientes Team, das den Kunden in- und auswendig kennt, weil es ihn lebt, atmet und mit den Leuten zusammensitzt, die diese Entscheidungen treffen.dann können sie sie sofort einsetzen, anstatt sich die Zeit zu nehmen, den Auftrag an mehrere Unternehmen zu vergeben und ein oder zwei Wochen zu warten, bis die Angebote zurückkommen und so weiter. Sie haben ein Team, das am nächsten Tag den Schlüssel liefern kann.

TJ: Es ist eine interessante Zeit, denn als ich anfing, wollte man nie mit dem internen Team arbeiten, weil die wirklichen Talente bei den großen Studios waren, aber jetzt zahlen die Unternehmen mehr als die meisten Studios, so dass man das gleiche Talent, das früher bei Buck war, jetzt intern zur Verfügung hat.

Joey: Ja. Es ist eine wirklich interessante Zeit. Ich meine, aus der Perspektive einer, sagen wir mal, Werbeagentur gibt es diese offensichtlichen Vorteile, ein eigenes Team zu haben, und ich denke, der zweite Punkt, über den du gesprochen hast, ist die Idee, dass die Person, mit der du zusammenarbeitest, die Marke kennt. Sie haben an fünf anderen Projekten gearbeitet und sie kennen die Sensibilität deiner Agentur und sie haben wahrscheinlich schon mitDas ist eine unglaubliche ... macht alles schneller, effizienter. Gibt es auch Nachteile? Ich habe zum Beispiel schon intern in Agenturen gearbeitet und mit den dortigen Künstlern gesprochen. Auch hier gibt es eine Art von Wahrnehmung, wie: "Nun, das interne Team ist nicht ganz so gut, wie wenn wir zu diesem Studio gehen.Gibt es das noch?

TJ: Ja, ich glaube, diese Wahrnehmung besteht immer noch. Es wird sicher besser, weil man plötzlich so viele hochkarätige Talente bekommt. Ich glaube, man bekommt ... Es ist gefährlich, das zu sagen, aber ich glaube, man bekommt einige dieser Talente eher auf der Kundenseite als auf der Agenturseite. Ich glaube, die Agenturseite kämpft vielleicht immer noch darum, das gleiche Kaliber an Talenten zu bekommen, das eineIch denke aber, dass man auf Kundenseite, vor allem in der Technologiebranche, plötzlich Zugang zu einer Menge hochkarätiger Talente hat, die es vorher nicht gab. Auf Agenturseite ist das Instrument in Bezug auf die Arbeit mit einem internen Team wirklich einzigartig. Ich habe es hier nicht wahrgenommen, aber als ich bei Goodby und anderen Firmen war, hassten die internen Kreativen die Arbeit mit denein internes Motion-Team oder eine Redaktion oder irgendetwas anderes, obwohl sie die gleichen Leistungen wie ein großes Studio erbrachten.

TJ: Ich habe eine Weile gebraucht, um das herauszufinden, als ich anfing, bis mir klar wurde, dass ich eine Zeit lang auf der Seite der Sendeproduzenten gearbeitet habe, und was passiert, ist, dass ich einen großen nationalen Werbespot mache, richtig? Wir werden animiert und fertiggestellt und machen all diese großen Sachen, und du hast zwei Dinge. Erstens, du hast es in einem anderen Podcast gesagt, und es gibt keinen guten Begriff dafür, aber der StarIch habe das Geld, ich will mit Buck arbeiten, sie werden mir coole Sachen machen und ich wollte schon immer mit ihnen arbeiten, also werde ich das Geld dort ausgeben", im Gegensatz zu "Ich werde im Keller mit meinen internen Animateuren arbeiten, die ich jeden Tag beim Mittagessen sehe", weißt du?

TJ: Auf diesem Niveau kann man nicht konkurrieren, aber darüber hinaus, und das verschiebt sich mit den Budgets, aber vor allem damals, als es so etwas wie das Ende der Blütezeit der Werbewelt war, gab es auch Sendeproduzenten, die ununterbrochen arbeiten, und Kreative, die rund um die Uhr arbeiten, die an ihrem Schreibtisch bleiben können und auf mehrere Projekte angesetzt werden und einenHey, ich werde drei Wochen lang in L.A. arbeiten, drei Wochen lang bei Shutter's wohnen, jeden Tag Hummerbrötchen essen und einen Fahrer haben, der mich herumfährt." Mit wem würden Sie also lieber arbeiten?

Joey: Ganz genau.

TJ: Ich hatte damit zu kämpfen, als ich von meinem ursprünglichen Post-House-Job bei Spy zur Agentur wechselte, wo ich auch einige Verkäufe tätigte, und ich versuchte herauszufinden, warum ... Ich bin zwei Blocks von der Agentur entfernt. Warum bekomme ich nicht mehr von der Arbeit? Warum geht sie immer noch nach L.A.? Wir machen so tolle Arbeit. Warum kommen sie nicht hierher? Dann wechselte ich auf die Agenturseite und es war wie: "Oh, das istDamit kann ich nicht konkurrieren. Es gibt nichts, was ich tun kann, um mit dem Verwöhnungsgrad zu konkurrieren, den man bekommt, wenn man beruflich auf Reisen ist." Das ist also so etwas wie die ... Beantwortet das Ihre Frage?

Joey: Ja. Ich bin froh, dass du diese Geschichte erzählt hast, denn ich habe genau die gleiche Erfahrung gemacht, und für mich war es die Arbeit in Boston. Unser Büro lag buchstäblich gegenüber von Arnold Worldwide, und wir haben alles in unserer Macht Stehende getan, um sie dazu zu bringen, uns Arbeit zu besorgen, denn die Sachen, die wir machten, und viele der Sachen, die sie machten, brauchten nicht nach New York zu gehen. Sie brauchten nicht nach LA zu gehen, aber dannSchließlich klärte mich jemand auf und sagte: "Wenn sie nach New York gehen, wohnen sie in einem schönen Hotel, sie gehen zu Peter Luger, der Studioleiter führt sie aus und es gibt einen Bierkühlschrank." Es scheint so oberflächlich zu sein, wenn man ein junger Künstler ist, der versucht, sich einen Namen zu machen, aber dann ... Ich denke, es ist wirklich klug, etwas Empathie für die Leute in den Werbeagenturen zu haben.die dieses Leben leben.

Joey: Sie haben am Anfang ein wenig darüber gesprochen. Wissen Sie, in Boston, als ich auf dem Höhepunkt meiner Karriere war und ein Studio leitete, war diese Mentalität und dieser Lebensstil noch sehr verbreitet. Der Kreativdirektor, der nie nach Hause geht und eine Flasche Bourbon im Schreibtisch stehen hat und jeden anschreit und Freiberufler, die unter Tränen gehen und so weiter - ist das immer noch der Fall bei Agenturen?die Sie gesehen haben, oder beginnt sich das langsam zu ändern?

TJ: Das ist eine großartige Frage, und ich bin wahrscheinlich schon ein paar Jahre davon entfernt. Als ich meine Stelle bei der Agentur verließ, war das immer noch sehr verbreitet, und ich denke, es gibt einige Agenturen der alten Schule, die immer noch flott sind und ihren Prozess nicht wirklich angepasst haben. Dort wird einfach erwartet, dass man 100 % gibt, sieben Tage die Woche, wenn man in dieser Branche sein will. Der Grund, warum ich dieIch kam um 3:00 Uhr morgens nach Hause und ging um 7:00 Uhr morgens. Wie ich schon sagte, brachen mehrere Redakteure buchstäblich in Tränen aus, weil wir ... Es war 6:00 Uhr und wir bekamen ein Feedback, das bedeutete, dass wir die ganze Nacht für eine Präsentation um 9:00 Uhr arbeiten mussten, und es gab ... Wenn Sie nein sagten, dannDu würdest hier wahrscheinlich nicht wieder eingestellt werden. Es ist so, dass ein Nein damals einfach keine Option war.

TJ: Es gibt immer noch einige Orte, an denen das so ist. Ja, die gibt es auf jeden Fall, und ich denke, es hängt von dem Markt ab, in dem man sich befindet. Ich denke, das hat viel damit zu tun und mit der Art der Agentur, für die man arbeitet, aber ich glaube, dass es neuere Agenturen gibt, die versuchen, hier Anpassungen vorzunehmen, und ich glaube, dass die internen Teams auf Kundenseite ihre Zeit viel besser verwalten undIch werde nicht sagen, dass es sich dabei um echte Geschäftszeiten handelt. Ich denke, dass viele dieser Stellen immer noch viele Überstunden machen, aber es ist auf jeden Fall besser als früher.

Joey: Sicher. Ja, das bringt mich auf etwas, das ich in letzter Zeit von einigen Leuten gehört habe... Du hast das vorhin schon gesagt. Es wird immer schwieriger, erfahrene, hochkarätige Talente in einem Studio einzustellen, und ich bin sicher, auch auf Agenturseite, und das liegt zum Teil daran, dass man jetzt für Google arbeiten kann und ein ziemlich unglaubliches... ein riesiges Gehalt und unglaubliche Sozialleistungen und eine ausgewogenere Art vonIch bin neugierig, ob die Auswirkungen dieser Technologieunternehmen und ihre unendlich tiefen Taschen es für Agenturen und Studios schwieriger gemacht haben, Talente einzustellen, und was können Agenturen und Studios tun, um Talente einzustellen und zu halten, wenn sie nicht mit den Gehältern konkurrieren können?

TJ: Ja, das hat einen massiven Einfluss auf das Niveau der Talente, die es da draußen gibt, und darauf, wie hoch ihre Preise sein sollen und so weiter. Um nur ein polarisierendes Beispiel zu nennen: Ich kenne mehrere Freiberufler, die für über 200.000 in sechs Monaten einen Sechsmonatsvertrag bei Google angenommen haben. Es ist so, als könnten sie... Sie wissen: "Hey, ich will das vielleicht nicht langfristig, aber wenn ich es für sechs Monate durchziehen kann.und ein paar Hunderttausend zu verdienen und dann eine Auszeit zu nehmen ..." Da liegt also eine Menge Geld auf dem Tisch, mit dem vor allem die Studios nicht konkurrieren können.

TJ: Agenturen sind ... Es hängt von der Größe der Agentur ab, ob sie in so etwas investieren wollen oder nicht. Ich habe das Gefühl, dass Agenturen aufgrund dessen, worüber wir vorhin gesprochen haben, ein bisschen weniger Möglichkeiten haben. Es ist so, dass wir dich wahrscheinlich besser bezahlen als ein Studio, aber immer noch weniger, als du auf der Kundenseite verdienen kannst, und wenn es um die eigentliche Arbeit geht, die in die Welt hinausgehen soll,Du wirst uns wahrscheinlich vorher besuchen und uns helfen, schauen und alles, aber wir werden wahrscheinlich außer Haus gehen, um es tatsächlich auszuführen. Du bekommst also nicht einmal unbedingt die coole Arbeit, die sich auszahlt, während das Studio, was für sie spricht, eine Vielfalt an Kunden ist, eine Vielfalt an Arten von Animationen, an denen du arbeiten wirst, und dann auch einfach die Kultur, richtig?

TJ: Bis zu einem gewissen Grad, egal was man macht, wenn man auf Kundenseite im Haus ist, fühlt es sich einfach wie ein Unternehmen an, egal was es ist. Man ist in einem großen, riesigen Unternehmen, im Gegensatz zu einem kleineren Studio, in dem man nur mit seinen Freunden abhängt und den ganzen Tag coole Animationen macht.

Joey: Also, für ein Studio ist es wirklich der Schlüssel ... Ich habe Gunner letztes Jahr besucht, und die Stimmung dort ist so, dass man einfach nur abhängen will, weißt du? Weil alle cool sind und es Spaß macht, und wenn du nach links schaust, gibt es dieses erstaunliche 3D-Ding. Wenn du nach rechts schaust, gibt es eine Zellanimation, und das ist sozusagen das Zuckerbrot, um Talente anzuziehen. Es ist ein interessantes Problem, denke ich,Denn ich habe es immer so gesehen, dass das Produkt von Motion Design Studio die Animation ist und sie damit Gewinn machen müssen, während das Produkt von Google so weit von der eigentlichen Animation entfernt ist, dass es fast ein anderes Budget ist, würde ich mir vorstellen, wissen Sie?

Joey: Es gibt Unternehmen, die ihr Marketingbudget nutzen, um ein Studio zu bezahlen, aber Google kann sein Produktbudget nutzen, das 100 Mal so groß ist, um jemandem 200.000 Dollar für sechs Monate zu zahlen.

TJ: Genau, und diese 200.000 für eine Person sind für ein Unternehmen dieser Größe nur ein paar Cent, und sie machen auch viel mehr Gewinn, wenn sie ein oder zwei Personen bezahlen, im Vergleich zu den vielen Projekten, die sie mit einem externen Studio abwickeln müssten. Obwohl diese 200.000 nach einer großen Zahl klingen, sparen sie auf lange Sicht eine Menge Geld, also ist es für sie sinnvoll.

Joey: Bekommt man in der Branche das Gefühl, dass ... Das habe ich in dem Motionographer-Artikel angedeutet, dass die Unternehmen, die die dicksten Taschen haben und in der Lage sind, ... Ich meine, ich bin sicher, dass sie den Studios auch gigantische Summen für ihre Arbeit zahlen. Einige dieser Unternehmen waren in letzter Zeit in den Nachrichten, weil sie zwielichtige Dinge getan haben, und es gibt eine Menge ethischer Bedenken.Ist irgendetwas davon in der Branche durchgesickert? Sollten wir wirklich unsere Talente einsetzen, um diese Sache zu fördern?

TJ: Ich glaube, diese Frage wird gestellt, aber ich glaube nicht, dass viel dagegen unternommen wird, und ich glaube, die Wahrheit ist ... Ich werde mich hüten, die Namen dieser Unternehmen zu nennen.

Joey: Sicher.

TJ: Es kann sein, dass Sie diesen internen Job aus diesen Gründen nicht annehmen wollen, aber Sie könnten für ein Studio arbeiten, das diesen Job trotzdem annimmt, und Sie müssen an derselben Sache arbeiten, weil viele dieser Tech-Unternehmen diejenigen sind, die den Animationsstudios am meisten zahlen, so dass die Animationsstudios nicht wirklich in der Lage sind, diese Möglichkeiten abzulehnen. Nun, es gibt einige wirklichWir bei Oddfellows hatten eine klare Linie. Wir nehmen es nicht mit Big Pharma auf, wir nehmen es nicht mit Öl auf, mit Zigaretten und all dem Zeug. Das sind einfach Dinge, an die wir nicht glauben, die wir nicht unterstützen, aber wenn man in den technischen Bereich einsteigt, wird es ein bisschen grauer, ein bisschen zweideutiger, und sind wir damit einverstanden? Ich weiß es nicht. Ich weiß es nicht.Die Sache, die sie machen, gefällt uns, aber sie machen 80 % unseres Arbeitsaufkommens aus, können wir es uns also wirklich leisten, sie in Zukunft abzulehnen? Die Entscheidung wird schwieriger.

Joey: Ja. Ich denke, das wird in den nächsten ein oder zwei Jahrzehnten eine große Frage sein. Es ist Teil einer viel größeren Frage über die Konzentration von Einfluss, Macht und Reichtum in den Händen einiger weniger Tech-Giganten, aber es ist interessant, wie sich das auf unsere kleine Motion-Design-Branche auswirkt. Wir fangen an, uns mit diesen Dingen auseinanderzusetzen. Ich habe noch ein paar Fragen an dich. Weißt du, alsoSie waren Mitbegründer von Oddfellows, einem der besten Studios der Welt. Unglaubliche Arbeit, unglaubliche Talente. Es gibt viele erstaunliche Talente, die aus Oddfellows hervorgegangen sind und sich selbstständig gemacht haben und so weiter, und jetzt sind Sie zurück auf der Agenturseite. Ich bin neugierig, ob Sie darüber sprechen können, was Sie dazu gebracht hat, das Studio zu verlassen und zu einer Agentur zurückzukehren.

TJ: Ja, auf jeden Fall. Um ehrlich zu sein, ging es weniger darum, Oddfellows zu verlassen, als vielmehr darum, eine Chance bei Instrument zu sehen. Ich war super beeindruckt und überwältigt von der Führung bei Instrument, und es stimmte wirklich mit meinen Hoffnungen und Träumen überein, Oddfellows überhaupt zu gründen, einfach in Bezug auf die Art und Weise, wie sie ihre Mitarbeiter behandeln, die Work-Life-Balance, die man sieht ... SogarObwohl wir eine Agentur mit ein paar hundert Mitarbeitern sind, ist der Laden um 17.30 Uhr leer. Es ist, als ob die Leute hier ihr Privatleben und die Kunden, die sie betreuen, und die Möglichkeiten, die sie nutzen, um die Welt zu verbessern, wirklich schätzen.

TJ: Das hat mich wirklich beeindruckt, und es kam auch irgendwie zurück zu ... Um ganz ehrlich zu sein, hatte ich nie vor, in der Animationsbranche zu arbeiten. Ich liebe die Animationsbranche jetzt, aber das war nie mein Ziel, als ich anfing. Es ist einfach so, dass ich dort gelandet bin, und so hatte ich ein bisschen ... Ich vermisste etwas von der Offenheit, mit der man an ein Problem herangehen kann, das ein Kunde hatte, mit der offenen ArtWenn man also ein Studio aufbaut und sich eine Anfrage, ein Briefing ansieht, das reinkommt, überlegt man, wie können wir unsere Stärken ausspielen? Wie machen wir daraus eine coole Zellanimation oder was auch immer, anstatt dass es überhaupt eine Zellanimation sein sollte? Sollte es überhaupt eine Animation sein? Sollten wir eine soziale Kampagne für sie machen? Sollten wir eineInstallationsstück irgendwo?

TJ: Es könnte ein bisschen offener sein, und das war so eine organisatorische Veränderung, die sie vielleicht noch... vielleicht oder vielleicht auch nicht. Ich bin nicht wirklich in ihre Zukunftspläne eingeweiht, aber es war einfach so... Es fühlte sich an, als ob so eine große Veränderung noch gemacht werden müsste, und ich wusste nicht, um ganz ehrlich zu sein, dass ich es persönlich in mir hatte, um... Ein Studio zu eröffnen ist eine große emotionale und persönlicheInvestitionen, und das war fast wie ein Neuanfang in diesem Sinne. Es war wie, Mann, wir müssen einige große Veränderungen vornehmen, um auf dieses Niveau zu kommen. Will ich das wirklich tun? Im Gegensatz zu einer wirklich tiefen Verbindung mit den Eigentümern hier bei instrument, wo sie schon da sind und einige erstaunliche Dinge für die Zukunft tun, dass es mich einfach umhaut.

TJ: Ich kann nicht wirklich über die Projekte sprechen [inaudible 01:42:06], aber ein wirklich cooles Beispiel ist, wenn ich hier ein Animationsprojekt leite, habe ich auch Entwickler, die neben den Animatoren sitzen, und wir sehen, wie Prototypen in Echtzeit erstellt werden, und diese Ebene des Zukunftsdenkens macht wirklich Spaß, und dann habe ich auch einfach die Infrastruktur einer Agentur. Es ist so, wenn du bei diesen 10 bis 15Größe, wie ich schon sagte, vor allem auf der EP-Ebene, ist man so etwas wie eine einsame Insel. Man trägt sozusagen alle Hüte. Man ist die Personalabteilung, man ist die Geschäftsentwicklung, man ist der Marketing-Typ, man ist alles, jeden Tag. Man muss einfach nur reinkommen und sagen: "Was werde ich heute tun?"

TJ: Wenn ich hier eine Initiative ins Leben rufen will, habe ich ein komplettes Team, das diese Sache umsetzen kann, und ich habe das Kapital, um sie zu verwirklichen. Das waren also einige der Dinge, die ich in einem kleineren Studio vermisst habe. Abgesehen davon vermisse ich mein Team und die Kameradschaft einer so eng verbundenen Gruppe, die etwas gemeinsam aufgebaut hat, sehr.von Grund auf neu.

Joey: Ja. Du hast gerade so viele Dinge angesprochen, die ... Ich kann mich darauf beziehen, ich bin sicher, dass sich viele Leute darauf beziehen können, und ich denke, eine gute Erkenntnis daraus ist, dass du irgendwie ... Du bist ein bisschen älter geworden, du hast ein bisschen mehr Erfahrung und du hast eine Perspektive darauf bekommen, was dir wirklich wichtig ist. Eines der Dinge, von denen ich denke, dass jeder, der dies hört, mitnehmen sollte, ist, dass es okay ist, zu gehenStudios kommen und gehen, Mitgründer kommen und gehen, und ich habe etwas sehr Ähnliches durchgemacht, TJ, und das ist gut so. Es klingt, als wärst du jetzt an einem Ort, der einfach besser zu dir passt, verstehst du?

TJ: Ja, 100 %, und ich denke, es war für alle Beteiligten der richtige Schritt. Ich denke nur, dass es zu einem Punkt kam, an dem man das Gefühl hatte, dass ich... Nicht, dass ich mich nicht engagiert hätte, aber sicherlich hatte ich andere Ambitionen oder was auch immer, und ich hatte das Gefühl, dass es ihnen oder den Mitarbeitern gegenüber nicht fair war, und ich denke, es war super wichtig, dass jeder seine eigene Geschichte und seinen eigenen Weg verfolgte, und ich denke, es istWir sind alle immer noch gute Freunde, und ich glaube, dass es für sie und für mich sehr gut gelaufen ist.

Joey: Das ist großartig.

TJ: Ja.

Joey: Oddfellows ist immer noch der Hammer.

TJ: Oh, die machen das ganz toll.

Joey: [Crosstalk 01:44:29]

TJ: Sie bringen im Moment so viel gute Arbeit heraus. Ja, sie sind der Hammer.

Joey: Ja, immer noch an der Spitze. Meine letzte Frage, das war ... Ich muss sagen, ich habe eine Menge gelernt, als ich mit dir über all diese Dinge gesprochen habe. Das hat mir so viel Spaß gemacht. Ich hoffe, jeder hat sich Notizen gemacht und viel gelernt. Der erste Teil war wahrscheinlich ein bisschen beängstigend für die jungen Künstler da draußen, die denken: "Mein Traum ist es, ein Studio zu eröffnen", und du hast ihnen eine Dosis harter Realität gegeben,Aber wenn es da draußen immer noch jemanden gibt, der denkt: "Weißt du was? Ich glaube, ich habe das Zeug dazu. Ich möchte ein Studio eröffnen", welchen Rat würdest du ihm geben, um zu verhindern, dass er sich irgendwann die Seele aus dem Leib redet?

TJ: Ja, ich denke ... Was wäre es? Es wäre, sicherzustellen, dass du erkennst, dass es eine wirklich kollaborative Gemeinschaft ist und dass es in Ordnung ist, Fragen zu stellen. Während du es vielleicht vortäuschen willst, bis du es mit deinen Kunden schaffst, musst du es nicht vortäuschen, bis du es mit den anderen Studios da draußen schaffst. Ich spreche regelmäßig mit Gunner. Ich spreche mit [inaudible 01:45:34] von Golden Wolf. Ich spreche mit Jay von Giant Ant,Seth ... An all diesen Orten sind alle super hilfsbereit und wollen helfen. Also, Schritt eins, fangen Sie an, Fragen zu stellen. Schritt zwei, kündigen Sie nicht einfach Ihren Job und versuchen Sie es eines Tages. Haben Sie einen Plan. Wie ich bereits sagte, müssen Sie sich darüber im Klaren sein, dass Ihre Position eher im geschäftlichen Bereich liegen wird, und Sie haben wahrscheinlich nicht als Animateurin studiert.Du bist wahrscheinlich als Designer oder Animator zur Schule gegangen, also ist das völlig in Ordnung, aber fülle diese Lücke und lies alle Bücher, die du lesen kannst, verstehst du?

TJ: Wie ich schon sagte, besorgen Sie sich Ihr Buch. Schauen Sie sich die Videos von Chris Doe an und all seine Sachen. Chris Doe hat ... Wie nennt man ihn? Ein Mentor oder ein ...

Joey: Ein Business-Coach?

TJ: Der Business-Coach, mit dem er zusammenarbeitet, [Kier 01:46:27] McClaren, mit dem ich auch eine Zeit lang zusammengearbeitet habe. Finden Sie Leute wie ihn und stellen Sie sie ein und investieren Sie in sich selbst, um voranzukommen. Ich denke, das ist der schwierigste Teil, wenn man anfängt, es kostet viel, in sich selbst zu investieren, aber es wird Sie langfristig retten, und es ist schwer, diese Flugbahn vom ersten Tag an zu sehen, wo ich nicht ausgeben will.300 Dollar, um dieses Ding zu bekommen, aber letztendlich werden Sie auf lange Sicht Tausende oder Zehntausende sparen, weil Sie mit Leuten sprechen werden, die denselben Weg gegangen sind und die Fallstricke kennen, auf die Sie achten müssen. Und dann denke ich, dass die andere Sache ist, wie ich schon sagte, einfach wirklich ehrlich zu sich selbst zu sein.

TJ: Was möchte ich aus dieser Situation herausholen? Ich glaube, die Leute sind so begeistert von der Idee eines Studios, dass sie sich intern nicht vollständig darüber verständigen, was sie sich davon erhoffen, und dann diese Informationen und das Gelernte nutzen, um wirklich ein klares Leitbild und klare Ziele für die nächsten fünf Jahre zu formulieren und sich selbst dafür verantwortlich zu machenIch denke, das ist wirklich wichtig.

Joey: Ich muss TJ wirklich dafür danken, dass er so großzügig mit seiner Zeit umgegangen ist. Ernsthaft, er hat etwa zwei Stunden damit verbracht, sich mit mir zu unterhalten, und er war auch großzügig mit seiner Erfahrung und dafür, dass er mit diesen Zahlen völlig transparent war. Oftmals fordern wir in dieser Branche mehr Transparenz, aber wir gehen nicht wirklich darauf ein, und TJ erweist allen einen unglaublichen Dienst, indem er öffentlich darüber sprichtEr ist auch in den sozialen Medien sehr ansprechbar, wenn Sie also Fragen haben, können Sie ihn auf Twitter unter TJ_Kearney finden, und ich werde einen Link dazu und zu allem anderen, worüber wir gesprochen haben, in den Show Notes auf SchoolOfMotion.com veröffentlichen.

Joey: Ich hoffe, diese Folge hat Ihnen die Augen geöffnet, denn das war sie für mich auf jeden Fall, und wenn Ihnen diese Folge gefällt, wenn dieser Podcast Ihnen hilft, Ihren Tag zu überstehen und in der Branche auf dem Laufenden zu bleiben, dann würde es uns sehr viel bedeuten, wenn Sie sich eine Minute Zeit nehmen, um den Podcast auf der Plattform Ihrer Wahl zu bewerten und zu rezensieren. iTunes, Stitcher, Google Play - das hilft uns wirklich, School of Motion bekannt zu machen, und es ist einfachDas war's. Bis zum nächsten Mal, später.